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martes, 30 de diciembre de 2014

El acordeón

Es el segundo informe de una serie de más de veinte sobre temas de música de la revista "MD en español", ya desaparecida, que se incluirá aquí (éste, titulado "Fuelle melódico", de su número de enero de 1.967).  Ver detalles sobre la fuente en la introducción al primer informe, que es sobre el violín









Se ha perdido la memoria desde que el Emperador Kait-tien-chi, que reinaba en tiempo de los espíritus (1), inventó un instrumento que al pasar el aire a través de un sistema de tubos producía sonidos celestiales.

Así reza la leyenda y tal instrumento pudo haber sido el cheng, especie de calabaza con tubos de bambú y una boquilla construida en forma de fénix, al que se consideraba emperador de las aves y que presidía el cuadrante meridional del cielo, simbolizando el sol y el calor.

Orígenes

El cheng es antepasado directo de numerosos instrumentos de lengüeta libre, entre los que está el acordeón.  Cada tubo tenía una laminilla de cobre o de oro, adherida con cera, cuya vibración producía el sonido.  La boquilla curva se insertaba en el centro de la calabaza.  Se dice que algunos misioneros jesuitas trajeron un cheng a Europa, pero no hay pruebas de que produjera impresión alguna en la sociedad renacentista, que ya estaba suficientemente abastecida de instrumentos musicales. 

Se cree que Asia contribuyó con otro instrumento a los de la familia de lengüeta libre: un curioso artilugio en forma de lira que se sostenía con los dientes mientras se pulsaba la lengüeta metálica con los dedos.  La leyenda atribuye su invención a Jubal, bíblico hijo de Lamec, primer artífice del bronce y el hierro, siendo posiblemente éste el origen del nombre "arpa de judío" con que se le conoce en Norteamérica.  [1].

Antecesor más directo del acordeón fue el regal, introducido en Europa en el siglo XV.  Era como un pequeño órgano (2) portátil, sin tubos, basado en la percusión de unas lengüetas.  Producía notas fuertes y roncas, desagradables de cerca, pero que podía hacer buen papel como acompañamiento de un coro de trombones.  Cuando llevaron a María Tudor a coronarse en Westminster en 1553, a bordo de la falúa real la agasajaba un acompañamiento de músicos tocando regales.

El principio de producir música mediante vibraciones libres también fue desarrollado por Benjamin Franklin en el siglo XVII, con un aparato que motejó harmonica, que no debe confundirse con el actual organillo de boca (3).  La máquina consistía en cierto número de discos de cristal de distinto diámetro y espesor, montados sobre un eje movido con un pedal.  A los cantos de los cristales se los humedecía en un recipiente de agua y las notas eran producidas frotando con los dedos los bordes húmedos.

El siglo XIX se inauguró con una verdadera invasión de instrumentos de lengüeta libre, empezando en 1800 con el aeolodicon de Eschenbach, que se valía de un fuelle para hacer vibrar unas lengüetas metálicas.  Diez años después el francés Gabriel-Joseph Grenié (1756-1837) introdujo lo que llamó su orgue-expressif (órgano expresivo) [2], que empleaba lengüetas metálicas libres.  Fue precursor tanto del acordeón como del armonio, que apareció en 1842. [3]

Nacimiento

Como ocurre con muchos instrumentos musicales, el nacimiento del acordeón va acompañado de declaraciones de paternidad contradictorias, lo que plantea un interesante acertijo a los historiadores de la música.

El año del incierto nacimiento puede haber sido 1822 o 1829, según que se dé preferencia a las orillas del Spree o a las del Danubio como cuna.  En 1822 Friedrich Buschmann, de Berlín, inventó un instrumento llamado handaoline a base de lengüetas libres, fuelle y teclado, todos ellos característicos del acordeón.  Se acepta generalmente que en 1829 cierto Kyril Damian, de Viena, patentó un accordion, pero tal patente nunca ha sido hallada ya que el registro de estas empezó en Viena desde 1866.

El instrumento de Damian era la handolina (4) de Buschmann perfeccionada, a la que añadía cuatro botones graves, cada uno de los cuales actuaba sobre dos lengüetas que abarcaban una octava (5) de la escala diatónica.  También se podía acompañar cada una de las notas con una armonía tónica o dominante.  Éste primer modelo (6) era un acordeón de semitonos (diatónico) en el que al entrar el aire se producía una nota, y al salir, otra.

Charles Wheatstone, inventor y profesor de física en el King's College de Londres, entró en el embrollado palenque de la paternidad del acordeón al patentar en 1829 un pequeño instrumento de 24 teclas de marfil, lengüetas libres de plata y un pequeño fuelle.  Lo llamó concertina y tuvo un éxito inmediato. [4]    

Desarrollo   

Al convertirse el acordeón en instrumento popular se desarrolló varios tipos distintos.  Estaban el tipo alemán (llamado también melodeon), que contaba con cuatro registros, dos teclados de graves y diez de agudos, y el tipo italiano primitivo, que tuvo hasta 21 teclas de agudos y ocho de graves pero no tenía registros, y partiendo de estos instrumentos se desarrolló el acordeón cromático, con tres filas de botones agudos [5], que todavía hoy se usa en Europa.

Francia fue el primer centro importante de manufactura de acordeones, y en el decenio de 1840 miles de obreros se dedicaban a satisfacer la creciente demanda del nuevo instrumento.  En 1837, en un anuncio de Le Menestrel, se ofrecía acordeones a precios que oscilaban entre 12 y 100 francos [6].

A pesar de los problemas políticos y sociales de 1830 y 1848 (7) Francia se mantuvo a la cabeza de la manufactura de acordeones hasta que Italia entró en escena y en pocos años se convirtió en la primera productora de acordeones del mundo.

Se cuenta que en la primavera de 1863 un peregrino que regresaba a casa después de asistir al famoso santuario de la Virgen de Loreto se hospedó en casa de un campesino del pueblo de Castelfidardo que era un joven aficionado a la música al que intrigó mucho el curioso artilugio que colgaba junto al zurrón del peregrino.  Lo examinó durante la noche, lo compró al huésped, lo desmontó, lo volvió a armar y sin pensarlo más decidió construir aquel maravilloso instrumento.  Se llamaba Paolo Soprani.  Él y sus descendientes hicieron de Castelfidardo el centro de producción de acordeones en Italia.

Aunque Alemania puede reclamar el honor de ser cuna del acordeón, ese país quedó a la zaga en el desarrollo del instrumento, pero cuando después de la guerra de 1870 muchas de las industrias francesas fueron desmanteladas los fabricantes alemanes invadieron el mercado europeo con instrumentos toscos y baratos.

El resultado fue que el acordeón, que hasta entonces había sido el capricho de la burguesía, pasó a manos de las clases obreras y alcanzó nueva popularidad.  Los primeros en apoyar el instrumento en su pecho fueron los mineros de los campos carboníferos francobelgas del norte, después de lo cual el acordeón regresó a París para introducirse en los cafés de los barrios obreros, en toda cuanta feria se celebraba y en todos los hogares campesinos del país.

Desde cerca de 1895 hasta después de la Primera Guerra Mundial (8) Bélgica se vio inundada de acordeones.  Hubo un momento en que se calculó que cada familia del país tenía por lo menos uno.  Los domingos por la mañana los cafés se llenaban de gente para ver competir a los acordeonistas rivales.

En Inglaterra el favor del público se inclinó por la concertina de Wheatstone, el pequeño y manejable instrumento de voz delicadamente modulada.  Durante muchos años fue el predilecto de la clase alta.  Lord Balfour, el estadista, gran autoridad en música de Händel, era entusiasta de la concertina y tocaba con ardor las obras de Molique y Regondi, compuestas especialmente para éste instrumento.

Los acordeones llegaron a Norteamérica de la mano de los inmigrantes, sobre todo italianos.  Previamente los baratos instrumentos alemanes habían acompañado ya a las caravanas que se dirigían al Far West, y aún se los ve en los grabados de aquella época.

Hay testimonios de que cierto Abraham Prescott, de Concord, New Hampshire, se anunciaba como fabricante de melodians en 1835, pero la manufactura norteamericana de acordeones no pudo competir nunca con con los alemanes o italianos.

El instrumento

Actualmente la forma más popular de acordeón es el "acordeón piano", en el que las teclas de agudos son como las del piano.

Al pulsar una tecla, el aire producido por el fuelle incide sobre una lengüeta determinada y produce una nota.  La acción de las teclas es similar a la de las del órgano (9) y responde a la menor presión.  A diferencia del piano, el peso del dedo no altera la nota producida (10).

Los instrumentos actuales tienen cuatro juegos de lengüetas.  Los graves suenan una octava (11) más baja que la nota escrita y producen un sonido pleno y opulento, la sección de lengüetas intermedias suena como la nota escrita, con timbre dulce, el tercer juego también suena como la nota escrita pero su timbre es ligeramente agudo, para dar brillo al sonido (también se la llama " lengüeta de trémolo"), y el cuarto juego es el llamado "de lengüetas de piccolo u ottavino" y suena una octava más alto que lo escrito, con timbre aflautado.  Los registros que hay encima del teclado permiten emplear estos juegos de lengüetas por separado o formando combinaciones. [7]

El acordeón, lo mismo que la guitarra, ha caído bajo el imperio de la electrónica.  El sonido recogido por un micrófono pasa por un amplificador en el que ciertas posiciones fijas de tono reproducen las notas de las distintas lengüetas y sus combinaciones.

El precio de los acordeones modernos está comprendido entre los 300 y los 2.000 dólares (12).  El instrumento más caro es el construido ex profeso para el Papa Pío XII.  Tenía seis juegos de  lengüetas de graves y agudos con 33 combinaciones tonales y fue valorado en 5.000 dólares.

Repertorio

Está muy extendida la idea de que el acordeón es un instrumento esencialmente folclórico, apropiado solamente para música popular o jazz.  Durante muchos años se consideró risible la idea de que el acordeón pudiera emplearse como instrumento orquestal.

El primero en incluirlo en una orquesta sinfónica fue Tchaikovsky, que lo usó en su Suite No. 2 en Do mayor, compuesta en 1883.  Otros compositores lo han usado ocasionalmente para producir un efecto de "música popular".  Alban Berg lo utilizó a lo largo del segundo acto de su ópera Wozzeck.  El primer compositor notable que escribió una partitura especial para acordeón fue Ascari (13), en el Concierto en Re menor.

Incapaces de romper el hermético círculo de los instrumentos orquestales, los acordeonistas de Europa y América han formado sus propios conjuntos.  Uno de los más famosos, el Frontalini, emplea acordeones que imitan el sonido de otros instrumentos.  Por medio de diversas lengüetas se imita flautas, violoncellos, trompas.  Esta orquesta acompañó en una ocasión al tenor Beniamino Gigli, que luego dijo: "Reproduce magnificamente todas las cualidades de la orquesta sinfónica."

Ejecutantes

Pietro Deiro, natural de Salto, Italia, nacido en 1888, está reconocido como "el padre del acordeón".  Estudió el instrumento en Alemania y con él ganó dinero suficiente para reunirse con un tío suyo que vivía en Cle Elum, ciudad minera de carbón en el centro del estado de Washington.

Después de perfeccionarse en Seattle (14) se presentó en los escenarios de San Francisco, iniciando así una carrera que lo convirtió en el acordeonista mejor pagado del mundo.  Empezó tocando con un instrumento de semitonos pero cuando recibió un acordeón piano que le enviaron de Italia lo modificó y lo introdujo en Norteamérica en el Teatro Washington Square de San Francisco en 1909.

Deiro no se limitó a transcribir obras populares para acordeón sino que aumentó el repertorio con varias composiciones originales, entre las que figuran tres conciertos.  Su hermano Guido fue también un excelente concertista y actuó en toda América, Europa y Australia.

Una sobresaliente artista en éste campo es Carmen Carozza, protegida de Pietro Deiro.  Otro artista de origen italiano es Andy Arcari, quien durante la Segunda Guerra Mundial viajó mucho, tocando para las fuerzas armadas.  Su Concierto en Re menor para acordeón es la primera obra importante tocada por una orquesta sinfónica, en 1941.

Hay grandes músicos que no desprecian el acordeón.  Se cuenta que un día soleado, en Balboa, frente a la costa de California, se vio como varias embarcaciones de recreo rodeaban un bote en el que un hombre tocaba el acordeón.  Se detuvo junto a él un yate lujoso y un señor anciano invitó a subir a bordo al acordeonista para ejecutar algunos duos juntos.  Después de haber estado tocando durante media hora, el caballero del yate observó: "Parece que tiene usted muy buen oído.  ¿Puedo saber su nombre?"  El joven respondió: "Jascha Heifetz."  Era nada menos que el primer violinista del siglo XX.

Colofón

De una humilde membrana vibrando en el aire ha crecido una rica tradición musical.     
  




NOTAS


      
... del texto original (números entre corchetes):

[1]  En castellano "birimbao", en francés guimbarde

[2]  El alemán Karl Kratzenstein reclama haberlo inventado primero, pero las pruebas son muy endebles.

[3]  Descendientes del instrumento de Grenié son la aeolina, el terpodion, el elodicon y el aura.

[4]  Wheatstone fue luego coinventor del telégrafo eléctrico e inventor de un transmisor automático y de un grabador eléctrico.  También fue precursor en el estudio de la luz y del sonido.
 
[5]  Los modernos acordeones cromáticos pueden tener hasta 102 boquillas de agudos que cubren cinco octavas.  [El "cromático" es el de teclas, el "diatónico" el de botones.  Son los dos tipos básicos.]

[6]  Equivalente a 70 y 600 francos actuales, respectivamente.

[7]  Los registros comprenden: principal, contrabajo, acordeón, armonio, bandoneón, órgano, oboe, gaita, violín, clarinete y pícolo.



... y unas adicionales (números entre paréntesis):

(1)  No puede uno imaginarse exactamente a que se refiere el redactor del informe con la frase poética "el tiempo de los espíritus".  Habiendo pertenecido el fundador y director de la revista al bando republicano en la época de la guerra civil española (y funcionario del Gobierno), puede uno pensar que pudo ser agnóstico o ateo, como posiblemente todo el equipo redactor, en cuyo caso el sentido sería algo así como "la época en la que la mayoría de la gente creía en ridiculeces tales como los fantasmas y demás supersticiones", pero son suposiciones.  Siendo nieto de quien trajo la teosofía al país, resulta ser una actitud extraña a mi mentalidad.  Ver mi relato de la vida real sobre una aventura espiritista en http://transcripcionesreveladoras.blogspot.com/2013/01/la-muerte-de-alicia.html

(2)  El próximo informe será sobre éste instrumento.

(3)  El nombre del instrumento de B. Franklin en castellano es "armónica".  Fue un personaje de los que llaman "polifacéticos" --político, científico (físico), filósofo'--, e inventó el pararrayos luego de comprobar que los relámpagos eran un fenómeno eléctrico elevando una cometa hasta que se perdió de vista en una nube de tormenta, con lo que estaba exponiéndose a ser electrocutado.  La llave colgada en el cordel de la cometa echó chispas.  Descubrió que las descargas de los rayos son atraídas intensamente por varillas metálicas puntiagudas.

(4)  La transcripción al castellano debería ser "jandolina" porque en el idioma alemán la letra hache no es muda.

(5)  Ver mi nota # 6 en el curso de música

(6)  Es lo que ahora los ingenieros llaman "prototipo", el primer ejemplar, por consiguiente experimental, para ser sometido a pruebas y perfeccionado, de un nuevo artefacto.

(7)  Son años de sublevaciones revolucionarias en un siglo XIX que fue para Francia de mucha inestabilidad política y que André Maurois llamó "el siglo de las oscilaciones" porque el país pasaba bruscamente de la Monarquía a la República y de regreso a la primera y se pasó de la Primera, a la Segunda y por último a la Tercera República.  Actualmente están en la Quinta.  Viendo como algunos han advertido ya que la Unión Europea se va a desintegrar, por las tensiones internas, como el tal "neoliberalismo" anda promoviendo la destrucción definitiva del "Estado de Bienestar" y la pauperización de la clase media, la clase de la que se decía en la Antigüedad que salvaba las ciudades (de los efectos de las luchas sociales, por su moderación), y como la gente anda en lo que parece ser un ambiente prerrevolucionario, puede uno imaginarse ya eventos violentos que llevarán a la Sexta.  El Pastor David Wilkerson, en un mensaje titulado An Urgent Message, describe visiones de un futuro con ciudades en llamas en todo el mundo.  Todo parece ser atribuible a la disolución de la Unión Soviética, porque eso dio la excusa para volver a un darwinismo social que estamos viendo incluso en la China continental.  Ya no hay nadie que se conduela del "hombre menesteroso".  Se calcula que hay unos 35 millones siendo obligados a laborar en condiciones de esclavitud, incluyendo menores de edad, y la "trata de personas" es uno de los negocios ilícitos más lucrativos, junto con los de las armas, las sustancias sicoactivas ilegales y la fauna silvestre.      

(8)  Esa guerra duró unos 4 años, de 1.914 a 1.918.

(9)  Ver la nota # 2 de esta lista

(10)  No altera su volumen, o sea, su intensidad.  Ver mi nota # 31 del curso de música

(11)  Ver la nota # 5 de esta lista

(12)  Téngase en cuenta que son dólares de hace ya ( casi exactamente) medio siglo que hay que "traer a valor presente" (como dicen los economistas).  Además los precios varían mucho según la categoría.  Hay acordeones profesionales, de varios tamaños, para niños de diversas edades, para adultos, de botones o de teclas, de varias marcas, unas más prestigiosas que otras (la más conocida parece ser Hohner, alemana), y nuevos o de segunda mano, y estos últimos en diversos estados de conservación, como sucede con cualquier objeto usado (a algunos de los cuales debe hacerse algún ajuste, que puede ser insignificante o no).  

(13)  ¿¿El mismo Arcari que se menciona más adelante, con el nombre mal escrito aquí?? 

(14)   Es la capital del estado de Washington, que no sólo no tiene nada que ver con la capital, Washington, D.C., sino que además está en el costado opuesto de ese enorme país que son los EE.UU. y tiene costa sobre el Océano Pacífico.










    

  

jueves, 25 de diciembre de 2014

El violín





En el decenio de los años 60, durante la infancia y la adolescencia, veía llegar a casa todos los meses dos revistas médicas: "MD en Español" y "Tribuna Médica".  Ambas tenían anuncios publicitarios exclusivamente de medicamentos, pero la primera, que era de distribución internacional y tenía su sede en la ciudad de Nueva York, era de contenidos culturales muy variados, la otra era nacional e infinitamente menos sustanciosa, con unos pocos informes que podían interesar solamente a un médico. 

De los de la primera conservo varios porque la descuadernaba para arrancarlos, incluyendo 23 sobre temas de música.  La labor había que hacerla con cuidado, retirando primero las tres grapas gruesas que sostenían las hojas, para lo cual se debía levantar los dos extremos de la grapa con la punta de un cuchillo y luego deslizarla bajo el lomo de la grapa y aflojar esta poco a poco.  Era como extraer una muela con anestesia.  Como compensación por una tarea tan delicada quedó ahí, durante medio siglo, una buena colección de hojas impecables, esperando la llegada de la Era de la Internet. 

Se comenzará por agregar aquí los cuatro sobre instrumentos musicales, luego se pasará a los 12 sobre músicos, los cinco sobre géneros musicales y los dos que relacionan la música con la medicina.  Entre los del segundo grupo hay uno que podría pertenecer al tercero y se titula "Historia médica de Mozart". 

Lo del violín se titula poéticamente "Almas sonoras" y es del número de abril de 1.964 de la revista.  Tiene apenas dos notas a pie de página, cuyos números pongo entre corchetes, y a las que agrego diez propias, cuyos números aparecen entre paréntesis.  Fue el año en que cumplí 13 de vida y me llevaron a mi primer Grand Tour (de apenas dos), como llaman tradicionalmente a eso en Europa.  Eran tiempos más tranquilos y las maletas no desaparecían en los aeropuertos. 

Éste saqueo descarado lo tienen convertido en otra modalidad de la redistribución forzosa de la riqueza en una sociedad desigual.  Las agencias de viaje recomiendan ahora meter la tercera parte de la ropa en la maleta del compañero de viaje para que, si sucede ese desastre, no quede uno sin ropa en una ciudad desconocida.  Otra cosa que conservo como una reliquia es mi diario de viaje de esa primera ocasión, con el que podría iniciar otro blogo si hay tiempo para eso y no me muero antes, y es que hay una caja repleta de papelerío del viaje que incluye mapas, folletos, boletas de entrada a museos, planetarios, monumentos, zoológicos, eventos y demás, servilletas de restaurante y otros asuntos que digitalizados y puestos en la Red pueden ser de alguna utilidad para los viajeros actuales, e incluso para los sociólogos y los historiadores.

Todo número incluía un ensayo editorial del fundador y director, el Dr. Félix Martí Ibáñez, un médico que parecía saber acerca de todo.  Se publicó una recopilación de 35 de ellos "en sus versiones íntegras y ampliadas", una "lujosa edición de 405 páginas" con "encuadernación en tela" titulada La flecha de cristal que costaba 5 dólares estadounidenses. Traídos a valor presente serían como diez veces esa cantidad, o más.  Estoy adivinando toscamente sin haber consultado a ningún economista sobre el fenómeno de la inflación cum devaluación.  Lo publicaban las Ediciones Alfaguara de Madrid.  En la cubierta aparece un ave azul en vuelo sobre fondo negro. Lo del "amor" (ver próxima oración), ¿está sugiriendo que esa ilustración puede ser una alusión al Pájaro Azul de la Felicidad de Mauricio Maeterlinck?  En el aviso comercial de página entera del número de septiembre de 1.971 se lo describe como "Ensayos sobre literatura, viajes, arte, amor e historia de la medicina", y en la parrafada que lo acompaña se nombra temas adicionales: los deportes, la gastronomía, la estética.

También aparece el índice, así:

Prólogo: LA FLECHA DE CRISTAL
I.  EL HECHIZO DE LAS PALABRAS, LOS LIBROS Y LOS CONTADORES DE CUENTOS
II.  LOS TAPICES DEL PALACIO
III.  VIAJES ALREDEDOR DE MÍ MISMO
IV.  DEL AMOR, LAS MUJERES Y CASANOVA
V.  LA ALEGRÍA DE VIVIR
VI.  EN TORNO A LA MEDICINA
VII.  DE LA ENFERMEDAD Y DEL DESTINO 

En casa a nadie pareció que se justificara pedirlo, posiblemente por ser cosas ya leídas en versión inicial (el período abarcado va de 1.962 a 1.969). 

El Dr Martí Ibáñez fue funcionario de la República en España y cuando las tropas del General Franco entraron a Barcelona huyó al campo, donde unos amigos le ayudaron a emigrar a los Estados Unidos.  Su madre era pianista e impartía clases de música.     




      


Desde el mismo día en que el hombre neolítico produjo por primera vez un tañido haciendo vibrar la tripa tensa de un animal, hasta el actual violín de concierto, transcurrieron milenios de civilización con la historia completa del hombre y la música.


Orígenes

Pocos objetos inventados por el hombre han sido sometidos a una investigación arqueológica e histórica tan minuciosa como el violín.  Su antecesor más remoto quizás fue el primitivo laúd, que consistía en un palo largo insertado en una concha de tortuga o en la corteza de medio coco y una cuerda de tripa estirada.

Después de varios miles de años de experimentación, la verdadera evolución del violín empezó, con toda probabilidad, durante las últimas dinastías egipcias cuando aparecieron dos instrumentos de cuerda que se tocaban con plectro: el salterio y el laúd.

Los primitivos instrumentos de caja plana, ligeramente estrechados cerca del medio, como el violín moderno, fueron la fidicula romana y la kithara persa, que se tocaban en las postrimerías del Imperio Romano.  Con el tiempo la kithara dio origen a la guitarra, prima lejana del violín.  La fidicula se convirtió en la vihuela, que en España alcanzó su apogeo en el siglo XVI.  Tañida al principio con plectro, al aparecer el arco en el siglo X, la vihuela impulsó la armoniosa carrera de los instrumentos de cuerda.  

El más popular de los instrumentos de caja combada fue el rabel, con su forma de media pera, tres cuerdas y un mástil sin trastes, que los moros introdujeron en España en el año 711 con el nombre de rabeb.





                                         
                                      Todavía se utiliza el "rabeb" en Egipto y Turquía.




Compitió con el rabel en primer término la viola, instrumento cuya caja se asemeja mucho a la del violín moderno.  Apareció en el siglo X, con sus líneas angulares, mástil largo, y seis cuerdas y producía un sonido mucho más melífluo que el del rabel.  Al utilizarse en el siglo XIII el arco con cuerdas, la viola pronto suplantó al rabel y a la vihuela engendrando toda una familia de violas, desde el pequeño sopranino hasta el contrabajo.

La viola imperó hasta que en la primera mitad del siglo XVI, entre 1510 y 1530, apareció la Polnische kleine Geige [1], instrumento de tres cuerdas, más pequeño y de líneas más delicadas que la viola.  Los italianos la bautizaron viola da braccio senza trasti (viola de brazo sin trastes).  Los franceses le dieron el apelativo provenzal de violon y, en 1551, los italianos le agregaron una cuerda y le pusieron el nombre de violino.


No tardó en surgir la controversia entre los partidarios de la viola y los del violín, logrando éste la preferencia de los críticos cuando el famoso artífice de Brescia, Gasparo da Saló, demostró que las voces del violín eran más dulces y armoniosas.

Los partidarios de la viola se desquitaron introduciendo la viola d'amore, que tenía siete cuerdas entorchadas afinadas al unísono con siete cuerdas de tripa.  Éste instrumento producía un sonido remoto y misterioso que conmovía profundamente a sus fervientes partidarios.


Artífices

Cuando en la Italia del siglo XV se cultivó el género operístico los compositores se enamoraron de la voz femenina y trataron de reproducirla con instrumentos musicales, hallando que el violín se aproximaba más al ideal anhelado.  Así se produjo la gloriosa cadena de famosos constructores de violín, de maravillosos instrumentos y de los grandes virtuosos de los siglos XVII y XVIII.
  
El primero de los históricos constructores fue Andrea Amati [2], del siglo XVI, especializado en laúdes, que más tarde se dedicó a la producción de violines, echó las simientes de una dinastía de artífices e hizo de Cremona el más famoso centro manufacturero de éste instrumento musical.  Aún más diestro que Andrea fue su nieto, Nicolo Amati, quien construyó algunos de los más extraordinarios Amati, y a la vez fue maestro de otros dos genios: Andrea Guarneri y Antonio Stradivari.  El más célebre de la familia Guarneri fue Giuseppe, resobrino de Andrea, a quien se le conocía también como del Gesú por llevar su marca una cruz con las iniciales I.H.S. (1)

Muchos creen que el más grande de todos fue Stradivari, quien dio al violín su forma definitiva.  Stradivari, nacido con toda probabilidad en 1644, estableció su propio taller entre 1664 y 1666 (fecha esta última de su más antiguo violín en existencia) y dedicó los siguientes veinte años a perfeccionar su artesanía.

Sus violines más perfectos fueron construidos después de 1700 y se distinguen por su madera de pino de finas vetas, su barniz de color anaranjado rojizo, sus graciosas aberturas en forma de S en la tapa, sus exquisitas volutas y, sobre todo, por la incomparable dulzura de sus voces.  La producción total de Stradivari de que se tiene conocimiento fue de 1.116 instrumentos, entre los cuales figuran 540 violines, 12 violas y 50 violoncellos.

De Italia la artesanía pasó a otros países.  En Alemania la población de Mittenwald, en Baviera (2), se convirtió en el centro productor de violines y en Francia la aldea montañosa de Mirecourt cobró fama por los violines de precio modesto que construyó la familia Guillaume.


Músicos maestros

Los primeros entre los compositores de música para violín y a la vez virtuosos del instrumento fueron los venecianos Andrea Gabrieli y su sobrino, quienes además de adaptar varios concerti vocales e instrumentales para el violín crearon en 1587 la sonata (3), fértil composición musical conocida entonces como canzone da sonar, o sea, canción de amor para instrumentos musicales.

Giuseppe Tartini llegó a ser el más grande de los maestros de violín de su tiempo.  Modificó la forma del arco y la técnica de la arqueada.  Descubrió el fenómeno del "tercer sonido" pero no logró explicarlo.  No fue sino ya en el siglo XIX cuando el físico y fisiólogo alemán Hermann Helmholtz demostró que se trataba de un sonido superimpuesto cuya longitud de onda podía ser, o la diferencia, o la  suma de dos cuerdas tocadas simultáneamente.  El más sobresaliente de los compositores de obras para violín fue Antonio Vivaldi, quien creó el concerto grosso para instrumentos de cuerda.


Violín moderno

A fines del siglo XVIII se efectuó varios cambios menores en la construcción del violín con el objeto de subir la tesitura (4).  En la actualidad difiere de los Stradivari únicamente en que la madera es más gruesa, el ángulo del mástil es mayor, las cuerdas son más largas y el puente más elevado.

El secreto de sus voces reside en la madera.  Para la caja, el mástil, el diapasón, el clavijero y la voluta se requiere que sea dura, como la del sicómoro o el arce.  La acústica o "alma" del violín reside en la tapa, para la cual se emplea madera suave de pino suizo.  Cuando se hace sonar las cuerdas la tapa vibra y la caja de resonancia (5) amplifica el sonido.  Las dos aberturas en forma de S dan salida al sonido.

Las cuerdas pueden ser de seda o tripa, aunque se prefiere esta por ser más resistente.  La cuerda de Sol, entorchada con bronce, cobre o plata, frecuentemente se revienta cuando el concertista pone demasiada pasión en una arqueada y puede producir laceraciones graves. (6) 

Inicialmente el arco se lo hacía con hilos de seda, pero en la Edad Media estos fueron sustituidos por cerdas (7).  En 1775 el parisino François Tourte dio al arco su forma definitiva, la cual ha perdurado hasta actualmente.  Normalmente tiene 73 cm. de largo y entre 150 y 200 cerdas de un grosor uniforme.

Como sucede con sus predecesores, el violín es el prototipo de toda una familia de instrumentos, entre los cuales figuran la diminuta pochetta, violín que solían tocar los antiguos maestros de danza, el violino piccolo, violín de tres cuartos (8) para niños, la viola (9), un poco más grande que el violín, cuya tesitura es la de una voz de contralto, el violoncello, el primer bajo de la familia de violines, y el contrabajo, empleado originalmente para doblar la escala grave del violoncello.

Tradiciones

Una antigua superstición relacionada con el violín supone que el artífice, al firmarlo, le transfiere su alma y por consiguiente se llegó a creer que algunos violines famosos tenían vida.

Tartini en una ocasión soñó que Satanás le tocaba un trino (10).  Al despertar lo transcribió convirtiéndolo en el tema de su famosa sonata titulada "El Trino del Diablo" (11).

En el siglo XIX el folklore engendrado por el violín se concentró en torno a los gitanos, famosos por sus violines sollozantes y sus facultades clarividentes.  Se llegó a creer que ejercían su magia negra principalmente a través del violín.  La atracción romántica que ejerció la música gitana en los compositores de fines de siglo hizo que músicos como Brahms y Lizst sucumbieran a la exótica fascinación y compusieran rapsodias que inmortalizaban las melodías de los zíngaros.  Lo mismo hizo el gran violinista español Pablo de Sarasate con sus brillantes Zigeunerweisen, cuya ejecución requiere el virtuosismo de un violinista consumado.

El más famoso de los violinistas "demoníacos" fue el gran compositor y virtuoso Niccolo Paganini.  Alto, enjuto, cadavérico, fue él quien desde los tiempos de Tartini efectuó las más profundas innovaciones en la técnica del violín.  Su increíble virtuosismo aunado a la fatal atracción que ejercía sobre las mujeres hicieron que la fantasía del pueblo lo identificara con Satanás.  Paganini no hizo ningún esfuerzo por disipar esa fantasía y en parte gracias a ella acaudaló una gran fortuna. 

Durante sus últimos años sufrió de un carcinoma laríngeo, y según los supersticiosos de la época, la afonía de Paganini era debida a un pacto hecho con Satanás por medio del cual había trocado la voz por el virtuosismo.  


Colofón

El inmortal Rubén Darío plasma la magia musical del violín en éste rítmico cuarteto:

La orquesta perlaba (12) sus mágicas notas;
un coro de sones alados se oía;
galantes pavanas, fugaces gaviotas cantaban los dulces violines de Hungría.    





NOTAS



      
... del texto original:


[1]  Pequeño violín polaco, identificado por primera vez en 1528 por el musicólogo alemán Martin Agricola.

[2]  El violín más antiguo en existencia es un violino piccolino de Andrea Amati, fechado en 1564.  [Suena gracioso el diminutivo del adjetivo en italiano ("pequeñito") pero debe ser piccolo, tal como aparece en el texto del informe.]  


... y unas adicionales:


(1)  Es el monograma que se ve sobre las hostias.  La gente lo hizo corresponder a las iniciales de la frase latina "Jesús hombre salvador", o Iesus hominem salvator, pero fueron inicialmente las primeras tres letras del nombre "Jesús" en griego, Iesous, en mayúsculas, con la letra eta, que es una de las dos letras "e" griegas (la otra es épsilon, y también hay dos letras "o", que son ómicron y omega) y cuya mayúscula es idéntica a la hache mayúscula actual, en segundo lugar, y en tercer lugar la ese en sustitución de sigma, que es la ese griega.  ¡Qué enredos tan absurdos que se inventan los cristianos (con perdón de los mismos)! 

Esto es peor que el del ascenso al Cielo, un mundo inmaterial, en cuerpo y alma, ¡como si pudiera haber cosas corpóreas en mundos sutiles!  A los musulmanes les encantó la idea y afirman que el Profeta ascendió igualmente, cabalgando en su caballo, desde la Esplanada de las Mezquitas en Jerusalén, y esta ridiculez la heredaron unos y otros de la religión abrahámica madre, el judaísmo, cuyos profetas también desaparecían de esa manera, a menos que haya un malentendido y que lo que pasaba era que se desmaterializaban y todos suponían que, como no había restos mortales, el cuerpo también había ascendido. 

En su crónica de viajes por Asia, el Dr. Caycedo, fundador de la sofrología, deja constancia de la desmaterialización de los monjes en los monasterios tibetanos.  En éste caso, en cambio, sí quedan restos (en la celda del monje, donde éste se encierra durante días enteros para no volver a salir jamás), pero apenas el pelo y las uñas.  Evidentemente la queratina es resistente al proceso de la desmaterialización.  ¡Notable descubrimiento!

Como para que estos comentarios no parezcan tan fuera de lugar, agreguemos que uno de los informes de la revista "MD" de mi colección se titula "Música judía".  

(2)  Así llaman en castellano a la región alemana de Bayern, cuya capital es Munich (München o Muenchen).  Fuera de Alemania llaman "Bayern Munich" al equipo de fútbol, y en Alemania es el Bayern München. ¿Quiénes fueron los primeros en deformar tan espantosamente el nombre original de la región?  En francés dicen Bavière.  Lo más cercano al nombre deforme que conozco es la serie de palabras del francés bavard, bavardage y bavarder, que son despectivas y se relacionan con el parloteo y el comadreo (¿acaso otra insinuación malévola de los vecinos?).      

(3)  Es una de las "formas musicales".  Ver el "Curso de música" que es el tema anterior a éste

(4)  "Conjunto de los sonidos que son propios de cada voz o instrumento [musical]" (Larousse) ... es decir, la gama sonora que pueden recorrer

(5)  Ver la nota # 21 del "Curso de música"

(6)  No señala que también sucede ocasionalmente con las fibras del arco, como en el caso de un violinista durante un concierto al que asistí siendo joven.  Fue cómico ver como siguió tocando como si nada hubiera pasado, mientras las fibras rotas se sacudían hacia arriba y hacia abajo con cada arqueada del músico, como un mechón en el viento.  Durante una pausa fugaz de apenas unos dos segundos entre notas se apresuró a arrancarlas y botarlas al suelo.  Jamás volví a ver algo así.

(7)  Son cerdas de crines de caballo.  El violinista tiene siempre un trocito de cierta resina especial con el que las frota para que el arco no resbale al pasarlo sobre las cuerdas.  En el estuche de nuestro violín siempre había eso.  Evoca el cubito con el que los billaristas frotan el extremo del "taco" con el mismo propósito: para que el taco no resbale al golpear la bola.

(8)  Su tamaño es tres cuartos del tamaño del violín. 

(9)  Esto no concuerda con lo ya dicho: que la viola es el antecesor del violín (por lo que no se puede decir que éste sea también el "prototipo" de la viola, porque el término "prototipo" implica un primer ejemplar, así que lo que resulta ser el prototipo de esa familia de instrumentos musicales es la viola).

(10)  El "trino" es uno de los tres tipos de "adornos" (ver el texto del curso antedicho).

(11)  Il Trillo del Diavolo

(12)  Es un término con dos acepciones.  La poética significa "cubrir o salpicar de gotas de agua, lágrimas, etc.".  Por eso resulta cómico que la otra sea del ámbito de la mecánica automotriz.



              



sábado, 20 de diciembre de 2014

Curso de música




                                                   Tenor cantando un aria de las de rama

                                                            
Hay que comenzar diciendo que nadie que lea éste texto podrá volver a escuchar música como lo venía haciendo.  Aprendí en ese curso más de lo que jamás aprendí en el Instituto de Bellas Artes de Barranquilla, por lo que queda explicado en la nota # 36.  Aun así se trata de algo elemental, y es más bien un mero curso de "apreciación musical", para dejar de ser un oyente desprevenido, por lo que ni siquiera nos definieron ciertos conceptos, fueran sencillos o   complejos.  Nunca instalaron un tablero para enseñarnos, con tiza en mano, algo acerca de la notación musical, así que nunca vimos un pentagrama.  Tampoco fueron clases de solfeo.  Se puede sospechar que la intención oculta era desarrollar un público para los conciertos que organiza Colsubsidio, una "caja de compensación familiar".  No se justifica ponerse aquí a explicar que es eso.  
  
Es otra de mis reliquias, de tiempos remotos, como las transcripciones del par de conferencias puestas aquí en enero del 2.013, que son, una, sobre la teoría de la evolución orgánica (uno de los diez temas más leídos), y la otra, sobre la Ilustración.

Fue parte de un curso de entrada libre y gratuita de unas cuantas conferencias sobre "música y arte" dictado en 1.980 en un museo de Bogotá (creo recordar que los sábados), como consta en el diplomita que todavía conservo, y que dice: "El Museo de Museos Colsubsidio certifica que: Daniel Rey [nombre escrito en tinta negra en letra elegante de calígrafo] asistió al ciclo de catorce conferencias sobre MUSICA Y ARTE dictadas en su Auditorio desde el 9 de febrero hasta el 17 de mayo de 1980."  Luego vienen el sello del museo y la firma de la directora, Inés M. Flores. 



                                                                     

                                                              El consabido diplomejo


En esa época eso estaba en una edificación situada detrás de la sede de la Academia Colombiana de la Lengua, a una cuadra al sur de la Av. 19, en la carrera 3ª, al pie de los "cerros tutelares" de la capital.  Las charlas relacionadas con la música las dictó un violoncellista joven que siempre traía su instrumento para dar ejemplos que ilustraban las explicaciones.  El único incidente que recuerdo es éste: un circunstante quería saber por que la "música clásica" tendía a adormilar a la gente en los conciertos, como un soporífero.  Muchos se rieron (discretamente) de la pregunta.  No recuerdo cual fue la respuesta.  

También recuerdo que el conferencista (lo que llaman "conferenciante" en otros países) señaló como ejemplo de polifonía la cancioncita simpática de un anuncio publicitario que en esos días se escuchaba mucho en las emisoras de radio.  Era de las bebidas gaseosas (carbonatadas) Postobón (nombre que combina los apellidos Posada y Tobón), una marca legendaria que no creo que las venda en el exterior.  Me sorprendió que mencionara el asunto, tan ajeno a la música (mal llamada) "clásica".  A mí también me había agradado mucho esa multiplicidad de "voces" (o "melodías", para lo cual ver la nota # 9) simultáneas, surgida de un quehacer mercenario como lo es la publicidad, que tiene un gusto ramplón, y al que le cuesta mucho trabajo idearse tonaditas que no fastidien al oyente.  En éste caso era al contrario: esperaba uno con impaciencia la siguiente ocasión.  Casi parecía como el coro del Tabernáculo Mormón en Salt Lake City, Utah.     

El curso es exclusivamente sobre lo que en Occidente llaman "música de conservatorio", o "erudita", "culta", "académica", "docta" o "seria".  Denominan "conservatorios" a las facultades de música de las universidades.  Es un error llamarla "clásica" porque esto se refiere únicamente a la de uno de sus períodos, que en orden cronológico son el de la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Clásico, el Impresionismo y el Caos Actual (porque de alguna manera hay que llamarlo), que parece, con sus acordes extraños y siniestros (por momentos graciosos y tolerables), presagiar el Fin de los Tiempos.  Podría usarse el adjetivo "clásica" como sinónimo de "erudita" solamente si el sentido fuera el amplio de "ejemplar" o "paradigmática".

En cambio lo de "arte", en el sentido restringido de "pintura" (las "bellas" son esa y la escultura, la arquitectura, la literatura y la música), lo dictó una señorona de perfume rechinante del tipo "pachulí" que sofocan como el amoníaco y que presumen de refinadas pero creen que escupir es elegante.  Esto lo hizo, increíblemente, frente a todos nosotros en una especie de jarrón decorativo que había contra la pared ... ¿o un cenicero de los de suelo?  De todas maneras no era una escupidera como las tradicionales de los chinos.  El hilo de saliva fue cayendo lentamente.  Era como para perder el apetito durante los próximos tres días.  A esto le dicen "salírsele a uno el cobre" (manifestar uno su ramplonería en momentos de espontaneidad). 

No tomé apuntes de lo que dijo porque parecía una aficionada de las que aprenden todo someramente consultando enciclopedias (cuando no andan jugando al bridge con las amigas), ni recuerdo nada de lo que dijo, excepto un comentario repugnante relacionado con un detalle monstruoso en un cuadro de Jerónimo Bosch (una flauta en lugar comprometido, y los que saben algo de historia de la pintura entenderán a que se refiere esto).   





I.  Los cuatro elementos fundamentales de la música 

          A.  Ritmo [1].  La música "moderna" resalta el ritmo a expensas de los otros elementos, aunque también puede destacar algunos de los otros.  La música "clásica" [2] busca un equilibrio entre los cuatro.  Se sobreentiende que toda música lleva implícito el ritmo. [3]

          B.  Melodía.  Sucesión de sonidos agradables al oído.  Es lo que da el sentimiento.

          C.  ArmoníaSerie de sonidos simultáneos, es decir, varios sonidos al mismo tiempo.  Se trata de aprender a combinar los sonidos para que suenen bien.  Depende de la época y el estilo.  Por ejemplo, en la Edad Media estaba prohibido el "intervalo de tercera", llamado "intervalo del Diablo" por ser muy excitante y lascivo [4].  También lo estaba el de sexta.  La diferencia entre el timbre [5] del hombre y el de la mujer es exactamente de una octava ("intervalo justo") [6].  El intervalo de tercera es una primera nota y otra dos lugares más allá tocadas simultáneamente (puede haber "de tercera disminuida" y "de tercera aumentada", y ocurre lo mismo con los demás intervalos [7]), el de cuarta una primera y otra tres lugares más adelante, y así sucesivamente.

En el siglo XV vino la invención del "madrigal" (de textos generalmente amorosos) y de las polifonía.  Esta última quiso prohibirla el Papa Marcello [8], pero Pallestrina lo convenció de que podía hacerse música sacra polifónica hermosa componiendo la famosa "Misa del Papa Marcello", que tenía todos los intervalos nuevos.  Se dice que esta novedad introdujo no sólo una nueva música sino también una nueva forma de amar.

          D.  TimbreLa característica especial y particular de un sonido.  Hay tantos timbres como sonidos hay.  Los dos timbres básicos son el del hombre y el de la mujer.  Cada instrumento tiene el suyo, que es inconfundible para cualquier oído.  Cada instrumento es un timbre.  Es a la música lo que el color a la pintura porque da el "colorido".  Por ejemplo, la trompa crea un ambiente melancólico o dulce, la trompeta uno brillante.  La "voz" [9] del fagot es agradable, dulce, expresiva y pastosa y desmpeña entre los instrumentos de viento la misma función que tiene el violoncello entre los de cuerda.  Se combina dos o más instrumentos para crear determinados efectos.


II.  Otros dos aspectos de la música

          A.  Textura (las tres formas de escribir música)

                    1.  Monódica  o monofónicaDe una sola voz (= melodía).  Es la textura más sencilla porque consiste de una melodía sola sin ningún acompañamiento, pero sigue siendo monódica aun con acompañamiento de percusión.  Fue muy común en la Edad Media.  Toda la música "gregoriana" o "canto llano" [10] era sin acompañamiento.  Toda música para un solo instrumento es monódica (por ejemplo, los "caprichos" para violín de Paganini).

                    2.  HomofónicaUna voz principal con acompañamiento (por ejemplo, una composición para violín con acompañamiento de guitarra).  Es la que más estamos acostumbrados a escuchar porque es la de la música "popular" [11].

                    3.  PolifónicaVoces simultáneas.  El  oído humano adiestrado puede distinguir hasta ocho voces simultáneas [12].  Como hilos en una tela, todas las voces son igualmente importantes y ninguna sobresale a expensas de las demás, ninguna "acompaña" a ninguna otra --por eso su nombre técnico es "armonía horizontal"--, pero unas voces pueden parecer como acompañamiento de otras porque se las escribe de tal manera que forman armonía [13].  No estamos acostumbrados a escucharla porque no es la que oímos todo el día en el radio, y ofrece dificultades al oírla.  La polifonía es inagotable porque con cada audición el oyente descubre algo distinto, concentrándose unas veces en una voz, luego en otra. [14]

          B.  Estructura (formas musicales)Se relaciona con el problema básico de la música, que la caracteriza y la distingue de las demás artes: una composición debe tener variedad para no cansar al oyente pero también debe tener unidad para no desconcertarlo.  ¿Cómo se logra la unidad?  Repitiendo las mismas cosas.  (Una característica muy peculiar de la música: es el único arte donde la repetición está más que justificada. [15])  ¿... y la variedad?  Cambiándolas.  Formas:

                     1.  CíclicaLa más sencilla.  Se repite la misma melodía pero con distinta letra.  La letra da la variedad (el texto cambia), la melodía la unidad.  La música "popular" es de éste tipo [16]; más aun, es la única estructura que utiliza la música popular (ejemplo: el "corrido" mejicano).  Esquema: AAA ... [17]

                     2.  BinariaMuy usada en las composiciones del siglo XVIII.  Esquema: AB

                     3.  TernariaHay aquí un equilibrio muy agradable que falta a la anterior y que por lo tanto es un poco más difícil de escuchar.  Tiene tres elementos y esto parece brindarle una unidad y una armonía que faltan en las demás formas, como si no faltara ni sobrara nada.  La idea de que el número tres simboliza una perfección mística viene de la Edad Media.  [18]

                     4.  Rondó.  Muy clara y brillante, por lo que se usa mucho como movimiento [19] final en conciertos.  Para algunos, la "reina de las formas musicales", por su gran hermosura.  Esquema: ABACADA ...  (Después de una nueva melodía siempre se vuelve al tema principal [A].  Básicamente, lo que el rondó tiene es un estribillo.)

                     5.  LibreRepetición libre.  Se usó mucho en el Renacimiento la repetición libre en forma de eco (ejemplo: "Un eco", de F.J. Haydn). 

                     6.  Fuga.  "Sale" una melodía, "se fuga", la sigue otra sin alcanzarla nunca, luego sale una tercera, y así sucesivamente.  Parten una tras otra pero nunca se encuentran porque de lo contrario se destruiría la armonía.  Generalmente se trata de la misma melodía pero con alguna pequeña variación, o sea, varias voces simultáneas pero el mismo tema ("fuga a cuatro voces", etc.: hay hasta ocho [20]).  Los finales son interesantes porque se forman acordes grandiosos apropiados para ser tocados en órgano dentro de las naves de las iglesias, que hacen las veces de "cajas de resonancia" [21].  Bach es el maestro de la fuga.  Es polifonía y también se origina en el Renacimiento.  
  
                     7.  "Toccata" y fugaConsiste de dos partes: una fuga precedida de una improvisación.
    
                     8.   SonataAparece en el Barroco a mediados del siglo XVIII junto con el concierto y la sinfonía [22].  Al principio y al final se expone los temas sencillos y en medio su desarrollo.  Unos cuantos acordes hacen las veces de puentes.  Esquema: ABA_AB_ABA [23]

                     9.   ConciertoPrimer movimiento: alegre (allegro, etc.); segundo: lento (lento, adagio, grave); tercero: rápido (presto, prestissimo, etc.).  Esta es la estructura general de un concierto clásico (ejemplo: "Concierto No. 1 para violín" de Paganini [allegro maestoso, adagio, rondo allegro espiritoso]), que básicamente se ha conservado hasta hoy, aunque ha ido evolucionando hasta tomar formas más complejas.  Puede haber ciertas variaciones.  Por ejemplo, el primer movimiento puede comenzar lentamente.  Generalmente comienza con un tutti de la orquesta [24], pero en su "Tercer concierto para piano" Beethoven lo inicia con unas cuantas notas de solistas seguidas del tutti.  Es una de sus muchas innovaciones: en el Clasicismo se trataba ante todo de exporar nuevas posibilidades y buscar nuevas formas porque el Barroco había quedado atrás [25]

El concierto es varias estructuras pequeñas dentro de una gran estructura.  Como es tan extenso, dentro de la estructura general de tres movimientos se acomoda las otras estructuras ya mencionadas: binaria, ternaria, etc.

Vivaldi, Padre del Concierto, escribió unos 400, para todo tipo de instrumentos.  La forma "concierto" apareció primero como concerto grosso, que consiste en un pequeño grupo de instrumentos ("grupo concertante") acompañado por la orquesta.  El grupo y la orquesta establecen un diálogo en el que alternan el tutti de la orquesta y la parte solista.  Como el volumen de los instrumentos [26] todavía no era suficiente no se podía aun destacar uno solo, como luego ocurrió, y por eso la voz principal [27] la llevaba un grupo de dos a cinco instrumentos.

Las violas de pierna y de brazo (viola da gamba, viola da braccio) son los antecesores del violín, que aparece en el siglo XVII y que por su gran volumen [28] (y su dulzura y expresividad) es muy usado por el solista en conciertos.  A partir del violín se desarrollan, luego de muchos experimentos, la viola, el [violon-]cello y el contrabajo.

El piano desplazó totalmente al clavecín, su antecesor directo, porque en un concierto la orquesta, por más grande que sea, no lo opaca nunca.  La forma en que se produce el sonido en el clavecín --por medio de "uñas" que rasgan las cuerdas--, impide un gran volumen [29].  Además hay que tocarlo con mucho cuidado porque si se oprime las teclas con demasiada fuerza las uñas quedan engarzadas.  El clavecín es básicamente un arpa puesta en posición horizontal [30].  En el siglo XVIII a alguien se le ocurrió una nueva forma de producir el sonido cambiando las uñas por martillos forrados con fieltro que golpean las cuerdas y permiten regular la intensidad del sonido.  De ahí deriva el nombre pianoforte [31].  Con el resurgimiento de la música del Barroco ha vuelto a aparecer el clavecín. 

La textura del concierto es homofónica.  Por ser muy agradable, esta forma es una de las que más se ha utilizado en toda la historia de la música.  .         
      
                     10.  "Suite"Serie [32] de danzas --alemanda, sarabanda, minueto, bourré, giga, etc.--, estilizadas precedidas de un preludio [33]

La sarabanda apareció como consecuencia de la conquista de Méjico.  Sus indígenas tenían una danza muy triste y lenta que impresionó a los europeos, quienes la estilizaron, como habían hecho con las danzas populares europeas, y le pusieron ese nombre [34].  Generalmente se la coloca entre otros dos aires rápidos para crear un contraste.

                     11.  Tema y variacionesSe toma una melodía sencilla para luego comenzar a variarla.  El oído tiene que hacer un esfuerzo para buscarla y reconocerla.  (Ejemplo: "Capricho No. 24 para violín" de Paganini)  Se logra las variaciones cambiando a) el ritmo o b) el timbre (el instrumento).

A fines del siglo XIX, cuando ya todas las formas estaban más que explotadas, Richard Wagner quiso hacer algo nuevo y se inventó el Leitmotiv.  Compuso obras muy extensas, de varias horas, en las que los temas se suceden sin repetirse y el Leitmotiv da la unidad apareciendo periódicamente.  También decidió usar orquestas enormes, y por eso si el equipo de sonido no es bueno lo único que se oye es ruido. [35]

                     12.  PreludioEsta forma no tiene ni Leitmotiv y siempre es muy corta.  Es un tipo de improvisación, de cascada musical.  También se la llama "poema sinfónico".  Esquema: ABCDEFG ...

En la representación del esquema de una forma musical cada letra representa un tema o melodía.  Un tema puede repetirse antes de pasarse al siguiente.  Por ejemplo, en la forma binaria (AB), que tiene dos partes, se puede repetir uno de los dos temas, o ambos: AABB, AAB, etc.  En la forma "rondó" puede hacerse lo siguiente: AAABAAACAAAD....

No es necesario, al oir música, concentrarse en la sucesión de temas del esquema de una forma, tratando de identificarlos y seguirlos.  La música puede disfrutarse sin que haya necesidad de analizarla, despreocupadamente.
  

III.  Apuntes adicionales

          A.  La ReformaCon la Reforma [36] puede decirse que apareció una nueva escuela de música porque el culto protestante se basaba en el canto.  (Al entrar hoy a cualquier templo protestante se ve himnarios para los feligreses, y la misa consiste en el canto de himnos.)  A esto se debe que gran parte de los músicos más célebres sean protestantes.  En Alemania todos saben música.  Es "el pan de cada día", y éste ambiente se ha prestado para producir grandes compositores [37].  

          B.  El Barroco.

                     1.  El clavecínSu instrumento principal fue el clavecín porque se presta para hacer muchos adornos y filigranas comparables a los de los vestidos femeninos de la época.

                     2.  El bajo continuo.  Lo que caracteriza a la música barroca es el "bajo continuo", invención de una gran belleza que consiste en acompañar voces humanas o instrumentos con clavecín y cello.
                     3.  Los adornosEn música la exuberancia de la forma la dan los "adornos", que son tres:
                               a.  apoyatura, una nota corta que apoya a la siguiente, la principal, que es más larga [38],
                               b.  trino, imitación del trino o gorjeo de los pájaros por medio de una serie de notas rápidas, y
                               c.  grupeto, una especie de trino, pero más corto.

Esta "exuberancia de la forma"  llegó a tales extremos durante el Barroco que hubo que comenzar a crear nuevas formas.  Así esta situación coincidió con el inicio del clasicismo en la música y del neoclasicismo en el arte [39].  Algo similar ocurrió con Wagner, que acabó con el romanticismo: después de él ya nada podía seguir llamándose "romanticismo" y hubo que inventar formas totalmente nuevas.  Fue así como apareció el impresionismo.

"La cacería", de Leopoldo Mozart [40], es una exuberancia llevada hasta sus últimas consecuencias.  Recrea el relincho de los caballos, el ladrido de los perros y los cascabeles de los trineos, de tal manera que podría llamarse "Concierto para caballo con acompañamiento de orquesta". [41]
    
                     4.  En otras artesEn la arquitectura, a las fachadas no les cabe una sola curva más, como es el caso del Palacio de Madrid.  En el decorado de interiores ocurre lo mismo: a "La Gloria" de Bernini no se le podría agregar una nube más, y los ropajes repletos de dobleces parecen no haber sido planchados nunca.  En la literatura también apareció el "adorno".  Las figuras literarias (tropo, concatenación, sinéfora, metáfora, etc.) recargaban el texto de tal manera que la idea principal se perdía.  Estas figuras no eran nuevas porque los gramáticos latinos ya las habían definido, pero ahora se comenzó a abusar de ellas.
    
                     5.  Bach.  Su música es un compendio de todo lo que se había logrado hacer en música hasta entonces.  Componía con una precisión matemática y una técnica exacta y depurada, por lo tanto se puede decir de toda su música que es perfecta en ese sentido.  Esto explica que se preste para hacer arreglos nuevos cada vez que aparecen innovaciones en el campo musical, como el jazz y el sintetizador [42], así como un buen mármol se presta para hacer buenas esculturas y como, en general, toda buena materia prima se puede aprovechar para obtener buenos resultados.  Su cantata [43] "La Pasión según San Mateo" es uno de los pilares de la cultura occidental y es a la música lo que el Partenón a la arquitectura y el "David" [44] a la escultura.

Bach se hizo famoso en su época como organista (y violinista) pero no como compositor porque escribía sólo música que pudiera tocar en la iglesia, pero sus hijos, todos compositores, unos buenos, otros malos, sí se hicieron famosos como compositores porque se adelantaron un poco e hicieron música que gustaba.  Se burlaron de la de su padre porque no tenía éxito.

La música de Vivaldi le gustaba mucho e hizo transcripciones para varios instrumentos de muchas de sus composiciones , lo que también hizo con las de muchos otros compositores.  Además cambiaba la tonalidad [45] y esto cambia totalmente el ambiente de la obra.  Esto a veces impidió que algunos de ellos lograran la fama, como ocurrió con Marcello, que no era incluido en las enciclopedias de música.  (No aparece aun en las de ahora.)  Bach transcribió el llamado "Concierto de Marcello", quizás el más hermoso de la época, y era difícil pensar que algo tan bello hubiera sido escrito por alguien que no aparecía en los catálogos.

A propósito de lo anterior, algunos compositores se superan a sí mismos escribiendo una obra que jamás vuelven a igualar.  Esto ocurrió con Marcello y también con Mendelssohn, que escribió la obertura [46] "Sueño de una noche de verano" siendo muy joven (17 años, en 1.826).  A partir de ese momento todas sus demás obras eran comparadas con esa y se les atribuía una u otra deficiencia, por lo que el compositor terminó odiando su obra maestra. 

                     6.  RameauSu música no se difundió, pero sí se hizo famoso como teórico de la música.  Hoy no se estudia su música tanto como su teoría.  Introdujo la siguiente inovacion: analizando la estructura de la música concluyó que lo importante era la armonía (el acompañamiento) y no la melodía, como se había pensado hasta entonces.  Siempre se había partido de la melodía para luego agregarle acompañamiento, pero Rameau afirmó que a partir de la armonía se debía crear melodías porque lo uno era como la estructura misma de la música, el edificio, y lo otro solamente la fachada, y realmente es más sencillo componer música de esa manera.

A propósito de melodía y armonía, el que sabe de música, cuando ya conoce bien la melodía, y esto requiere muchas audiciones, prefiere observar lo que está en segundo plano, el acompañamiento.  Cualquiera puede hacer una melodía, pero el trabajo del compositor está en el acompañamiento, que ofrece al oyente, por su complejidad, la posibilidad de recrearse indefinidamente y de descubrir algo nuevo con cada audición [47].

          C.  Comparación entre los movimientos lentos y los rápidosLa mejor música de un compositor son generalmente sus movimientos lentos, que tienen que estar muy bien hechos para ser agradables.  En los rápidos es posible casi no darse cuenta de errores de la orquesta.  Es más fácil percibir cada movimiento cuando alguien camina  lentamente, y lo mismo ocurre en música.


NOTAS

1.  Es de las varias palabras que no recuerdo que nos hubieran definido, o me descuidé y no apunté la definición.  Es sinónimo de "compás".  Todos tenemos una idea intuitiva acerca de lo que es eso y usamos expresiones como "a ritmo de samba" o "a ritmo lento". 

2.  Es una concesión al uso común que hace del término el lego en el asunto, tal como se explica en mi introducción.

3.  ... pero la música de conservatorio más reciente y fantasiosa, como por ejemplo la "aleatoria", parece estar desprovista de ritmo, porque en ese caso concreto el compositor es el azar.  Son composiciones que hacen pensar en la escena de unos niños que encuentran unos instrumentos musicales durante un descanso de la orquesta en un concierto y se ponen a golpearlos de cualquier manera.  Es como un caos simulado, dispuesto cuidadosamente. 

... o, ¿qué pensar de los chillidos, balbuceos y palabras sin sentido de la ópera "Atlas" de Meredith Jane  Monk?  Es de las cosas más cómicas que pueda uno escuchar jamás.  Resulta imposible representar esos ruidos en un pentagrama, o en cualquier pedazo de papel.  Tienen razón quienes dicen que el afán del "artista" es la búsqueda desesperada del Objeto Único.

Se puso de moda la "desestructuración" en varios otros campos, incluso en los peinados, y los "estilistas", como se hacen llamar ahora los peluqueros, hablan de "peinados desestructurados".  También ve uno edificios ultramodernos torcidos o ladeados que dan la impresión como de que van a caerse, y uno se pregunta: "¿¿¿Cómo hacen para sostenerse???" 

Éste asunto comenzó en la pintura, y graciosamente, con el impresionismo, luego se fue agravando poco a poco con el surrealismo, el cubismo y el arte "abstracto" y culminó en el arte "conceptual", que no tiene normas reconocibles, excepto la norma de que no hay normas.  De una elaboración mental tortuosa se pasa a la acción en el plano de lo físico.  Sus adherentes lo justifican con el alegato de que "arte" es cualquier cosa que uno considere que es "arte".  Con eso incurren en el error elemental de incluir en la definición el término que se pretende definir. 

Lo mismo hacen los aficionados a la música caótica o cuasicaótica, como el presentador del programa sobre ese género musical de U.N. Radio, la emisora de la Universidad Nacional de Colombia, llamado "Oídos Contemporáneos", que lo da por terminado siempre con estas palabras: "No olviden que 'música' es todo aquello que escuchamos con la intención de escuchar música."  Es el mismo razonamiento de los "conceptualistas" porque es tanto como decir que " 'música' es cualquier cosa que yo quiera llamar así".  Cuando se les exige una explicación del hecho de que la música de conservatorio ha llegado a esos extremos responden que no se podía seguir componiendo eternamente lo mismo de los siglos anteriores y que cada época debe tener su propia música.  

Todo eso no sería nada grave si no fuera por esto: que la "anomía" (una situación de ausencia de normas sociales, como la llaman los sociólogos) se manifiesta también, y cada vez más, en el ámbito de la moral.  Lo que antes los siquiatras llamaban "perversiones" son ahora una mera "opción de vida", tan legítima como cualquier otra, a las que hay que tolerar porque existe un nuevo derecho al "libre desarrollo de la personalidad" no sujeto a coacciones que pueden "traumatizar" al individuo en edad escolar.  

Ejemplos de literatura "desvertebrada" o "desestructurada", suponiendo que esos sean los términos adecuados: la poesía más bien divertida de poetas como e.e. cummings, que todo lo escribe en minúsculas, incluyendo su propio nombre, o lo que en inglés llaman stream of consciousness, un estilo narrativo que pretende imitar el flujo continuo y espontáneo de pensamientos que nos arrastra todo el día sin que podamos detenerlo, a menos que practiquemos cosas como el yoga (ejemplo: la novela Ulysses del irlandés James Joyce), o la titulada Rayuela, de Julio Cortázar, que invita al lector a leerla dando saltos, como en el juego de niñas que en su medio llaman "rayuela" y en Colombia "golosa" (así le decían en Barranquilla hace medio siglo) y se juega sobre un diagrama dibujado en el piso con tiza que tiene casillas y termina en un espacio semicircular con la palabra "CIELO".

Afortunadamente el repertorio de la mayoría de las orquestas sinfónicas se restringe a la música del siglo XIX y comienzos del siglo XX.  Saben que la más reciente no agrada al público en ninguna parte y que los únicos que son capaces de soportarla son quienes han pasado por un conservatorio.  A algunos directores de orquesta les parece injusto restringir los repertorios de esa manera.  Alegan que hay música notable de otros períodos que debería incluirse.       

4.  Esto está entre lo relativo, obviamente.  Antiguamente en Grecia se pensaba que la música de flauta era eróticamente excitante, una opinión que no parece haber sobrevivido.  Además se despreciaba los instrumentos de viento porque deforman el rostro del músico al soplar, y eso, en una sociedad tan orientada hacia la belleza humana, resultaba grotesco.

5.  Es el próximo elemento en esta lista de los cuatro fundamentales.

6.  "Octava" está entre los conceptos sencillos y fundamentales de la música, pero con lo de los distintos tipos de intervalo las cosas se complican.  La octava se relaciona con las siete nota básicas de la escala musical que todo el mundo conoce (do, re, mi etc.), que son realmente doce, si se cuenta unas intermedias que no tienen nombre que no las asocie con las otras.  La física determinó que existe una relación de 2 a 1 entre la frecuencia de una nota cualquiera y esa misma nota en la octava siguiente o la anterior, o sea, la frecuencia de la segunda nota se duplica o se reduce a la mitad según sea de la octava anterior o la siguiente, respectivamente.  (La unidad de frecuencia es el herzio.)

7.  Ver la nota anterior

8.  Más adelante se define la "polifonía".

9.  Al término "voz" se da aquí el sentido de "timbre".  En el próximo párrafo se lo usa dándole otro sentido, que es el de "melodía".

10.  Su nombre deriva del nombre del Papa Gregorio I (589-604).

11.  Se usa la expresión en otros dos pasajes.

12.  Debe de ser por eso que el número máximo de voces en una "fuga" es de ocho, como se señala luego al describir esa "forma musical".  No hay "fugas a nueve voces".

13.  Recuérdese que la "armonía" es uno de los cuatro elementos fundamentales antedichos.  Luego, en el pasaje sobre el compositor francés Rameau, que perteneció al período del Barroco, se utiliza el término como sinónimo de "acompañamiento", que es lo que permanece en segundo plano, cediendo el primer plano a la melodía.

14.  Más adelante se dice algo parecido sobre el "acompañamiento", también en el pasaje sobre Rameau.  Es donde está el último número de nota, el 47.

15.  En eso creo que se equivocó porque en la arquitectura la repetición de elementos es armoniosa, como en el caso de una columnata o una hilera de ventanas.  Piénsese en la Torre Inclinada de Pisa.  Además en poesía también se recurre a la repetición deliberadamente.

16.  Es el segundo pasaje en el que se alude a la música "popular".

17.  Al final de la próxima sección (la de las "formas musicales") se explica el uso de series de letras para representar un "esquema".

18.  Eso será en Occidente porque la importancia del número tres aparece también en religiones  distintas del cristianismo, mucho más antiguas.  Por ejemplo, en el indoísmo está la tríada de Brajma, Visnu y Siva, el Creador, el Conservador y el Destructor, los tres aspectos fundamentales de la Divinidad, que evoca la Trinidad cristiana.

19.  Es otro término que no fue definido.  Es simplemente una "sección de una composición musical extensa".

20.  Ver la nota # 12.

21.  El cuerpo de ciertos instrumentos de cuerda, como la guitarra, el violín y similares, es una "caja de resonancia".  Éste fenómeno físico de la resonancia lo aprovechaban los griegos en la antigüedad colocando en los teatros, detrás de la última fila, en la parte más alta de las graderías, una hilera de grandes recipientes de arcilla con la boca orientada hacia el escenario. 

22.  Olvidó incluir la sinfonía en la lista de las formas musicales.  Tiene cuatro movimientos pero las de Honegger (1.892-1.955) tienen apenas tres.

23.  A los "puentes" se los representa aquí con el símbolo llamado "guión bajo" (otros dicen dizque "raya al piso", que suena cómico o espantoso, según el concepto de lo ridículo que se tenga) porque no se encontró disponible el que se usa en éste caso, que es como un arco corto puesto en un suelo, o una letra "u" estirada y muy ancha.

24.  Tutti significa "todos" en italiano (cfr. tuttifrutti) y en música significa "todos los instrumentos de la orquesta sonando simultáneamente", o sea, lo que se escucha es un estruendo alarmante que se convierte en mero ruido si lo que se está escuchando es un radio pequeño (adecuado apenas para cosas como la "música de cámara"). 

25.  En el pasaje sobre el Barroco se vuelve a explicar esto en otras palabras.  Es por los lados del renglón de la nota # 39.

26.  Obviamente esto se refiere a la intensidad del sonido, no al tamaño, como queda claro poco después.

27.  Aquí otra vez se usa la palabra "voz" en el sentido de "melodía".  Ver la nota # 9.

28.  Ver la nota # 26

29.  Ver la nota # 26

30.  Lo mismo se dice del piano, claro, por ser meramente un clavecín modificado.

31.  Entonces piano resulta ser apócope de pianoforte, que significa literalmente algo así como "suave-fuerte", una alusión al hecho de que se puede graduar la intensidad del sonido, algo que es imposible hacer con el clavecín.

32.  En éste contexto suite significa "serie", "sucesión" en francés (y en hotelería, una serie de alcobas interconectadas como las que alojan a los personajones, que no se contentan con una alcobita íngrima como los demás).

33.  Es la última de las "formas" en ésta lista.

34.  Creo que es (Adolphe) Thiers, el historiador de la Revolución Francesa, quien usa la expresión "sarabanda de los millones" para referirse despectivamente a la corrupción administrativa oficial en su historia de la Revolución en varios tomos.  ¿Es esa la fuente de la que se usa actualmente --"danza de los millones"--, para lo mismo? 

35.  Ahí se equivocó porque el recurso musical o concepto del Leitmotiv (pronunciado "laitmotif") ya existía.  Como ejemplo se señala la idée fixe (literalmente "idea fija" en francés, pero la frase, tal como se la entiende en la sicología, expresa el concepto de "idea compulsiva", "idea obsesiva" o "idea reiterada compulsivamente")  de la Symphonie Fantastique  de Berlioz.  Lo que hizo Wagner fue desarrollarlo al máximo grado en las cuatro óperas de su serie "El Anillo de los Nibelungos".  Luego muchos otros compositores decidieron usarlo.  Significa literalmente "tema rector" pero se lo traduce como "tema recurrente".  El odio de Wagner hacia los judíos (su propio Leitmotiv de la vida real) lo llevó a rechazar la amistad del filósofo Nietzsche, a quien consideraba como un traidor a su raza teutona por atreverse a tener amigos judíos.  Esto aparece explicado en la transcripción sobre Nietzsche (http://transcripcionesreveladoras.blogspot.com/2013/01/no-soy-un-hombre-soy-dinamita-tras-las.html).
  

36.  Es como los historiadores llaman el "cisma" del siglo XVI que escindió la Iglesia Católica.

37.  ... incluyendo a Federico el Grande, Rey de Prusia, que además de militarista furibundo era compositor y flautista.  Arengaba a sus tropas gritando: "¡Perros!  ¿Acaso quieren vivir eternamente?"  No recuerdo ya quien dijo que "Prusia fue empollada de una bala de cañón", y a los japoneses se les llama "los prusianos de Oriente".  Los videntes de la Sociedad Teosófica afirman que los espartanos reencarnaron en la nación teutona.  Sea como sea, las similitudes son evidentes.  (Dicha sociedad fue fundada en 1.875, el  mismo año en el que nació mi abuelo materno, que fundó la primera logia teosófica en Colombia hacia 1.920, coincidencia que comentaban mucho los teósofos colombianos porque les parecía muy significativa, a todo lo cual hago alusión en la introducción a un relato propio de la vida real en éste mismo blogo [http://transcripcionesreveladoras.blogspot.com/2013/01/la-muerte-de-alicia.html].)

38.  Los siete tipos de nota, en el sentido de "período de tiempo", de la música académica en Occidente, en orden descendente de duración (es decir, de la más "larga" a la más "corta"), son la redonda, la blanca, la negra, la corchea, la semicorchea, la fusa y la semifusa.  Ni en el Instituto de Bellas Artes de Barranquilla en mi infancia ni en ningún otro sitio me hablaron de la garrapatera y la semigarrapatera, que van después de la semifusa y son tan cortas que nadie siente la necesidad  de usarlas.  En alguna composición las usó Beethoven, pero no volvió a recurrir a sonidos tan espantosamente fugaces.  (Mi trayectoria por el sendero de la música no fue muy afortunado, pero esa es otra cuestión.  En clase de solfeo me sentaba bien atrás, queriendo"invisibilizarme".  La maestra me regaño una vez por estar hablando con un  compañero de curso llamado Iván que me había hecho reir diciendo que dizque "semiconfusa".  Responsabilizo a los malos docentes por mi poco entusiasmo, porque lo que hicieron fue ahuyentarme intimidándome.)

39.  Ver la nota # 25

40.  Fue el padre de Wolfgang Amadeo.  "La caza" es para cuarteto, y es una sonata. 

41.  En el "Paseo en trineo", del mismo compositor, no se escucha relinchos, pero sí mucho cascabeleo, chasquidos de látigo y fanfarrias de trompeta (¿o corneta?).  Según lo dicho recientemente en una de las emisoras universitarias de Bogotá, "es muy popular en Alemania y Austria" y se lo escucha durante "las fiestas navideñas".  Piensa uno en los cañonazos de la obertura "1812", de Chaicovsqui (Tchaikovsky).  "Boda campesina" es otra de esas composiciones un poco extravagantes de Leopoldo Mozart.  En ella se oye alaridos eufóricos muy divertidos, como de gente rústica y embriagada celebrando algo durante una cuchipanda.  Esto evoca el falsete (falsetto) chillón del canto de montaña suizo llamado yodel.  En cambio resulta más elegante, e incluso poético y lánguido, el "canto largo" de las estepas mongólicas, que también surgió de un medio rural.

42.  Es un instrumento generador de sonidos puramente electrónico.  Existe un Moog synthesizer.

43.  ... u "oratorio" en éste caso, que es una cantata de tema religioso.  Una cantata es una "composición poética cantable" según el Larousse.

44.  La escultura enorme de Miguel Ángel (Buonarroti) que está exhibida en Florencia.

45.  Es un concepto complejo, propio de un nivel de dificultad bastante mayor que el de estos modestos apuntes.  Una ex compañera de curso que toca piano desde la infancia como aficionada fue incapaz de explicármelo claramente por teléfono y a larga distancia internacional.  En una de sus dos acepciones, que es a la que se refirió el conferencista sin tomarse el trabajo de definirlo, se relaciona con las "claves".  Le dije que, de la época en la que quisieron convertirme en músico, recordaba haber visto solamente pentagramas con la clave de sol, y me comentó que seguramente porque lo que nos andaban queriendo enseñar era a tocar violín, que es un instrumento para composiciones en clave de sol.  (La iniciación fue con la "flauta dulce", como sigue haciéndose con los niños.  Todavía puedo tocar en ese instrumento la canción infantil cuya letra [en inglés] dice: Row, row, row, row your boat gently down the stream/Merrily, merrily, merrily, merrily, gently down the stream!  Significa tanto como "Rema en tu bote plácidamente río abajo/Alegremente, suavemente río abajo".  A cada sílaba corresponde una nota, excepto en el caso del último merrily, una palabra con tres sílabas, pero al llegar ahí se toca apenas una nota, no tres.)  Creo que la nota que da su nombre a la clave está ubicada en el centro de la gama a la que pertenece la mayoría de las notas de la composición musical.  En ese caso entonces la "tonalidad", en la acepción antedicha, se referiría a esa gama.    

46.  Es "la introducción instrumental de una ópera dramática, musical o no".  Lo "instrumental" en éste contexto implica el uso de instrumentos musicales en ausencia de voces humanas.

47.  Ver la nota # 14