.................................................................

.................................................................

sábado, 20 de diciembre de 2014

Curso de música




                                                   Tenor cantando un aria de las de rama

                                                            
Hay que comenzar diciendo que nadie que lea éste texto podrá volver a escuchar música como lo venía haciendo.  Aprendí en ese curso más de lo que jamás aprendí en el Instituto de Bellas Artes de Barranquilla, por lo que queda explicado en la nota # 36.  Aun así se trata de algo elemental, y es más bien un mero curso de "apreciación musical", para dejar de ser un oyente desprevenido, por lo que ni siquiera nos definieron ciertos conceptos, fueran sencillos o   complejos.  Nunca instalaron un tablero para enseñarnos, con tiza en mano, algo acerca de la notación musical, así que nunca vimos un pentagrama.  Tampoco fueron clases de solfeo.  Se puede sospechar que la intención oculta era desarrollar un público para los conciertos que organiza Colsubsidio, una "caja de compensación familiar".  No se justifica ponerse aquí a explicar que es eso.  
  
Es otra de mis reliquias, de tiempos remotos, como las transcripciones del par de conferencias puestas aquí en enero del 2.013, que son, una, sobre la teoría de la evolución orgánica (uno de los diez temas más leídos), y la otra, sobre la Ilustración.

Fue parte de un curso de entrada libre y gratuita de unas cuantas conferencias sobre "música y arte" dictado en 1.980 en un museo de Bogotá (creo recordar que los sábados), como consta en el diplomita que todavía conservo, y que dice: "El Museo de Museos Colsubsidio certifica que: Daniel Rey [nombre escrito en tinta negra en letra elegante de calígrafo] asistió al ciclo de catorce conferencias sobre MUSICA Y ARTE dictadas en su Auditorio desde el 9 de febrero hasta el 17 de mayo de 1980."  Luego vienen el sello del museo y la firma de la directora, Inés M. Flores. 



                                                                     

                                                              El consabido diplomejo


En esa época eso estaba en una edificación situada detrás de la sede de la Academia Colombiana de la Lengua, a una cuadra al sur de la Av. 19, en la carrera 3ª, al pie de los "cerros tutelares" de la capital.  Las charlas relacionadas con la música las dictó un violoncellista joven que siempre traía su instrumento para dar ejemplos que ilustraban las explicaciones.  El único incidente que recuerdo es éste: un circunstante quería saber por que la "música clásica" tendía a adormilar a la gente en los conciertos, como un soporífero.  Muchos se rieron (discretamente) de la pregunta.  No recuerdo cual fue la respuesta.  

También recuerdo que el conferencista (lo que llaman "conferenciante" en otros países) señaló como ejemplo de polifonía la cancioncita simpática de un anuncio publicitario que en esos días se escuchaba mucho en las emisoras de radio.  Era de las bebidas gaseosas (carbonatadas) Postobón (nombre que combina los apellidos Posada y Tobón), una marca legendaria que no creo que las venda en el exterior.  Me sorprendió que mencionara el asunto, tan ajeno a la música (mal llamada) "clásica".  A mí también me había agradado mucho esa multiplicidad de "voces" (o "melodías", para lo cual ver la nota # 9) simultáneas, surgida de un quehacer mercenario como lo es la publicidad, que tiene un gusto ramplón, y al que le cuesta mucho trabajo idearse tonaditas que no fastidien al oyente.  En éste caso era al contrario: esperaba uno con impaciencia la siguiente ocasión.  Casi parecía como el coro del Tabernáculo Mormón en Salt Lake City, Utah.     

El curso es exclusivamente sobre lo que en Occidente llaman "música de conservatorio", o "erudita", "culta", "académica", "docta" o "seria".  Denominan "conservatorios" a las facultades de música de las universidades.  Es un error llamarla "clásica" porque esto se refiere únicamente a la de uno de sus períodos, que en orden cronológico son el de la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Clásico, el Impresionismo y el Caos Actual (porque de alguna manera hay que llamarlo), que parece, con sus acordes extraños y siniestros (por momentos graciosos y tolerables), presagiar el Fin de los Tiempos.  Podría usarse el adjetivo "clásica" como sinónimo de "erudita" solamente si el sentido fuera el amplio de "ejemplar" o "paradigmática".

En cambio lo de "arte", en el sentido restringido de "pintura" (las "bellas" son esa y la escultura, la arquitectura, la literatura y la música), lo dictó una señorona de perfume rechinante del tipo "pachulí" que sofocan como el amoníaco y que presumen de refinadas pero creen que escupir es elegante.  Esto lo hizo, increíblemente, frente a todos nosotros en una especie de jarrón decorativo que había contra la pared ... ¿o un cenicero de los de suelo?  De todas maneras no era una escupidera como las tradicionales de los chinos.  El hilo de saliva fue cayendo lentamente.  Era como para perder el apetito durante los próximos tres días.  A esto le dicen "salírsele a uno el cobre" (manifestar uno su ramplonería en momentos de espontaneidad). 

No tomé apuntes de lo que dijo porque parecía una aficionada de las que aprenden todo someramente consultando enciclopedias (cuando no andan jugando al bridge con las amigas), ni recuerdo nada de lo que dijo, excepto un comentario repugnante relacionado con un detalle monstruoso en un cuadro de Jerónimo Bosch (una flauta en lugar comprometido, y los que saben algo de historia de la pintura entenderán a que se refiere esto).   





I.  Los cuatro elementos fundamentales de la música 

          A.  Ritmo [1].  La música "moderna" resalta el ritmo a expensas de los otros elementos, aunque también puede destacar algunos de los otros.  La música "clásica" [2] busca un equilibrio entre los cuatro.  Se sobreentiende que toda música lleva implícito el ritmo. [3]

          B.  Melodía.  Sucesión de sonidos agradables al oído.  Es lo que da el sentimiento.

          C.  ArmoníaSerie de sonidos simultáneos, es decir, varios sonidos al mismo tiempo.  Se trata de aprender a combinar los sonidos para que suenen bien.  Depende de la época y el estilo.  Por ejemplo, en la Edad Media estaba prohibido el "intervalo de tercera", llamado "intervalo del Diablo" por ser muy excitante y lascivo [4].  También lo estaba el de sexta.  La diferencia entre el timbre [5] del hombre y el de la mujer es exactamente de una octava ("intervalo justo") [6].  El intervalo de tercera es una primera nota y otra dos lugares más allá tocadas simultáneamente (puede haber "de tercera disminuida" y "de tercera aumentada", y ocurre lo mismo con los demás intervalos [7]), el de cuarta una primera y otra tres lugares más adelante, y así sucesivamente.

En el siglo XV vino la invención del "madrigal" (de textos generalmente amorosos) y de las polifonía.  Esta última quiso prohibirla el Papa Marcello [8], pero Pallestrina lo convenció de que podía hacerse música sacra polifónica hermosa componiendo la famosa "Misa del Papa Marcello", que tenía todos los intervalos nuevos.  Se dice que esta novedad introdujo no sólo una nueva música sino también una nueva forma de amar.

          D.  TimbreLa característica especial y particular de un sonido.  Hay tantos timbres como sonidos hay.  Los dos timbres básicos son el del hombre y el de la mujer.  Cada instrumento tiene el suyo, que es inconfundible para cualquier oído.  Cada instrumento es un timbre.  Es a la música lo que el color a la pintura porque da el "colorido".  Por ejemplo, la trompa crea un ambiente melancólico o dulce, la trompeta uno brillante.  La "voz" [9] del fagot es agradable, dulce, expresiva y pastosa y desmpeña entre los instrumentos de viento la misma función que tiene el violoncello entre los de cuerda.  Se combina dos o más instrumentos para crear determinados efectos.


II.  Otros dos aspectos de la música

          A.  Textura (las tres formas de escribir música)

                    1.  Monódica  o monofónicaDe una sola voz (= melodía).  Es la textura más sencilla porque consiste de una melodía sola sin ningún acompañamiento, pero sigue siendo monódica aun con acompañamiento de percusión.  Fue muy común en la Edad Media.  Toda la música "gregoriana" o "canto llano" [10] era sin acompañamiento.  Toda música para un solo instrumento es monódica (por ejemplo, los "caprichos" para violín de Paganini).

                    2.  HomofónicaUna voz principal con acompañamiento (por ejemplo, una composición para violín con acompañamiento de guitarra).  Es la que más estamos acostumbrados a escuchar porque es la de la música "popular" [11].

                    3.  PolifónicaVoces simultáneas.  El  oído humano adiestrado puede distinguir hasta ocho voces simultáneas [12].  Como hilos en una tela, todas las voces son igualmente importantes y ninguna sobresale a expensas de las demás, ninguna "acompaña" a ninguna otra --por eso su nombre técnico es "armonía horizontal"--, pero unas voces pueden parecer como acompañamiento de otras porque se las escribe de tal manera que forman armonía [13].  No estamos acostumbrados a escucharla porque no es la que oímos todo el día en el radio, y ofrece dificultades al oírla.  La polifonía es inagotable porque con cada audición el oyente descubre algo distinto, concentrándose unas veces en una voz, luego en otra. [14]

          B.  Estructura (formas musicales)Se relaciona con el problema básico de la música, que la caracteriza y la distingue de las demás artes: una composición debe tener variedad para no cansar al oyente pero también debe tener unidad para no desconcertarlo.  ¿Cómo se logra la unidad?  Repitiendo las mismas cosas.  (Una característica muy peculiar de la música: es el único arte donde la repetición está más que justificada. [15])  ¿... y la variedad?  Cambiándolas.  Formas:

                     1.  CíclicaLa más sencilla.  Se repite la misma melodía pero con distinta letra.  La letra da la variedad (el texto cambia), la melodía la unidad.  La música "popular" es de éste tipo [16]; más aun, es la única estructura que utiliza la música popular (ejemplo: el "corrido" mejicano).  Esquema: AAA ... [17]

                     2.  BinariaMuy usada en las composiciones del siglo XVIII.  Esquema: AB

                     3.  TernariaHay aquí un equilibrio muy agradable que falta a la anterior y que por lo tanto es un poco más difícil de escuchar.  Tiene tres elementos y esto parece brindarle una unidad y una armonía que faltan en las demás formas, como si no faltara ni sobrara nada.  La idea de que el número tres simboliza una perfección mística viene de la Edad Media.  [18]

                     4.  Rondó.  Muy clara y brillante, por lo que se usa mucho como movimiento [19] final en conciertos.  Para algunos, la "reina de las formas musicales", por su gran hermosura.  Esquema: ABACADA ...  (Después de una nueva melodía siempre se vuelve al tema principal [A].  Básicamente, lo que el rondó tiene es un estribillo.)

                     5.  LibreRepetición libre.  Se usó mucho en el Renacimiento la repetición libre en forma de eco (ejemplo: "Un eco", de F.J. Haydn). 

                     6.  Fuga.  "Sale" una melodía, "se fuga", la sigue otra sin alcanzarla nunca, luego sale una tercera, y así sucesivamente.  Parten una tras otra pero nunca se encuentran porque de lo contrario se destruiría la armonía.  Generalmente se trata de la misma melodía pero con alguna pequeña variación, o sea, varias voces simultáneas pero el mismo tema ("fuga a cuatro voces", etc.: hay hasta ocho [20]).  Los finales son interesantes porque se forman acordes grandiosos apropiados para ser tocados en órgano dentro de las naves de las iglesias, que hacen las veces de "cajas de resonancia" [21].  Bach es el maestro de la fuga.  Es polifonía y también se origina en el Renacimiento.  
  
                     7.  "Toccata" y fugaConsiste de dos partes: una fuga precedida de una improvisación.
    
                     8.   SonataAparece en el Barroco a mediados del siglo XVIII junto con el concierto y la sinfonía [22].  Al principio y al final se expone los temas sencillos y en medio su desarrollo.  Unos cuantos acordes hacen las veces de puentes.  Esquema: ABA_AB_ABA [23]

                     9.   ConciertoPrimer movimiento: alegre (allegro, etc.); segundo: lento (lento, adagio, grave); tercero: rápido (presto, prestissimo, etc.).  Esta es la estructura general de un concierto clásico (ejemplo: "Concierto No. 1 para violín" de Paganini [allegro maestoso, adagio, rondo allegro espiritoso]), que básicamente se ha conservado hasta hoy, aunque ha ido evolucionando hasta tomar formas más complejas.  Puede haber ciertas variaciones.  Por ejemplo, el primer movimiento puede comenzar lentamente.  Generalmente comienza con un tutti de la orquesta [24], pero en su "Tercer concierto para piano" Beethoven lo inicia con unas cuantas notas de solistas seguidas del tutti.  Es una de sus muchas innovaciones: en el Clasicismo se trataba ante todo de exporar nuevas posibilidades y buscar nuevas formas porque el Barroco había quedado atrás [25]

El concierto es varias estructuras pequeñas dentro de una gran estructura.  Como es tan extenso, dentro de la estructura general de tres movimientos se acomoda las otras estructuras ya mencionadas: binaria, ternaria, etc.

Vivaldi, Padre del Concierto, escribió unos 400, para todo tipo de instrumentos.  La forma "concierto" apareció primero como concerto grosso, que consiste en un pequeño grupo de instrumentos ("grupo concertante") acompañado por la orquesta.  El grupo y la orquesta establecen un diálogo en el que alternan el tutti de la orquesta y la parte solista.  Como el volumen de los instrumentos [26] todavía no era suficiente no se podía aun destacar uno solo, como luego ocurrió, y por eso la voz principal [27] la llevaba un grupo de dos a cinco instrumentos.

Las violas de pierna y de brazo (viola da gamba, viola da braccio) son los antecesores del violín, que aparece en el siglo XVII y que por su gran volumen [28] (y su dulzura y expresividad) es muy usado por el solista en conciertos.  A partir del violín se desarrollan, luego de muchos experimentos, la viola, el [violon-]cello y el contrabajo.

El piano desplazó totalmente al clavecín, su antecesor directo, porque en un concierto la orquesta, por más grande que sea, no lo opaca nunca.  La forma en que se produce el sonido en el clavecín --por medio de "uñas" que rasgan las cuerdas--, impide un gran volumen [29].  Además hay que tocarlo con mucho cuidado porque si se oprime las teclas con demasiada fuerza las uñas quedan engarzadas.  El clavecín es básicamente un arpa puesta en posición horizontal [30].  En el siglo XVIII a alguien se le ocurrió una nueva forma de producir el sonido cambiando las uñas por martillos forrados con fieltro que golpean las cuerdas y permiten regular la intensidad del sonido.  De ahí deriva el nombre pianoforte [31].  Con el resurgimiento de la música del Barroco ha vuelto a aparecer el clavecín. 

La textura del concierto es homofónica.  Por ser muy agradable, esta forma es una de las que más se ha utilizado en toda la historia de la música.  .         
      
                     10.  "Suite"Serie [32] de danzas --alemanda, sarabanda, minueto, bourré, giga, etc.--, estilizadas precedidas de un preludio [33]

La sarabanda apareció como consecuencia de la conquista de Méjico.  Sus indígenas tenían una danza muy triste y lenta que impresionó a los europeos, quienes la estilizaron, como habían hecho con las danzas populares europeas, y le pusieron ese nombre [34].  Generalmente se la coloca entre otros dos aires rápidos para crear un contraste.

                     11.  Tema y variacionesSe toma una melodía sencilla para luego comenzar a variarla.  El oído tiene que hacer un esfuerzo para buscarla y reconocerla.  (Ejemplo: "Capricho No. 24 para violín" de Paganini)  Se logra las variaciones cambiando a) el ritmo o b) el timbre (el instrumento).

A fines del siglo XIX, cuando ya todas las formas estaban más que explotadas, Richard Wagner quiso hacer algo nuevo y se inventó el Leitmotiv.  Compuso obras muy extensas, de varias horas, en las que los temas se suceden sin repetirse y el Leitmotiv da la unidad apareciendo periódicamente.  También decidió usar orquestas enormes, y por eso si el equipo de sonido no es bueno lo único que se oye es ruido. [35]

                     12.  PreludioEsta forma no tiene ni Leitmotiv y siempre es muy corta.  Es un tipo de improvisación, de cascada musical.  También se la llama "poema sinfónico".  Esquema: ABCDEFG ...

En la representación del esquema de una forma musical cada letra representa un tema o melodía.  Un tema puede repetirse antes de pasarse al siguiente.  Por ejemplo, en la forma binaria (AB), que tiene dos partes, se puede repetir uno de los dos temas, o ambos: AABB, AAB, etc.  En la forma "rondó" puede hacerse lo siguiente: AAABAAACAAAD....

No es necesario, al oir música, concentrarse en la sucesión de temas del esquema de una forma, tratando de identificarlos y seguirlos.  La música puede disfrutarse sin que haya necesidad de analizarla, despreocupadamente.
  

III.  Apuntes adicionales

          A.  La ReformaCon la Reforma [36] puede decirse que apareció una nueva escuela de música porque el culto protestante se basaba en el canto.  (Al entrar hoy a cualquier templo protestante se ve himnarios para los feligreses, y la misa consiste en el canto de himnos.)  A esto se debe que gran parte de los músicos más célebres sean protestantes.  En Alemania todos saben música.  Es "el pan de cada día", y éste ambiente se ha prestado para producir grandes compositores [37].  

          B.  El Barroco.

                     1.  El clavecínSu instrumento principal fue el clavecín porque se presta para hacer muchos adornos y filigranas comparables a los de los vestidos femeninos de la época.

                     2.  El bajo continuo.  Lo que caracteriza a la música barroca es el "bajo continuo", invención de una gran belleza que consiste en acompañar voces humanas o instrumentos con clavecín y cello.
                     3.  Los adornosEn música la exuberancia de la forma la dan los "adornos", que son tres:
                               a.  apoyatura, una nota corta que apoya a la siguiente, la principal, que es más larga [38],
                               b.  trino, imitación del trino o gorjeo de los pájaros por medio de una serie de notas rápidas, y
                               c.  grupeto, una especie de trino, pero más corto.

Esta "exuberancia de la forma"  llegó a tales extremos durante el Barroco que hubo que comenzar a crear nuevas formas.  Así esta situación coincidió con el inicio del clasicismo en la música y del neoclasicismo en el arte [39].  Algo similar ocurrió con Wagner, que acabó con el romanticismo: después de él ya nada podía seguir llamándose "romanticismo" y hubo que inventar formas totalmente nuevas.  Fue así como apareció el impresionismo.

"La cacería", de Leopoldo Mozart [40], es una exuberancia llevada hasta sus últimas consecuencias.  Recrea el relincho de los caballos, el ladrido de los perros y los cascabeles de los trineos, de tal manera que podría llamarse "Concierto para caballo con acompañamiento de orquesta". [41]
    
                     4.  En otras artesEn la arquitectura, a las fachadas no les cabe una sola curva más, como es el caso del Palacio de Madrid.  En el decorado de interiores ocurre lo mismo: a "La Gloria" de Bernini no se le podría agregar una nube más, y los ropajes repletos de dobleces parecen no haber sido planchados nunca.  En la literatura también apareció el "adorno".  Las figuras literarias (tropo, concatenación, sinéfora, metáfora, etc.) recargaban el texto de tal manera que la idea principal se perdía.  Estas figuras no eran nuevas porque los gramáticos latinos ya las habían definido, pero ahora se comenzó a abusar de ellas.
    
                     5.  Bach.  Su música es un compendio de todo lo que se había logrado hacer en música hasta entonces.  Componía con una precisión matemática y una técnica exacta y depurada, por lo tanto se puede decir de toda su música que es perfecta en ese sentido.  Esto explica que se preste para hacer arreglos nuevos cada vez que aparecen innovaciones en el campo musical, como el jazz y el sintetizador [42], así como un buen mármol se presta para hacer buenas esculturas y como, en general, toda buena materia prima se puede aprovechar para obtener buenos resultados.  Su cantata [43] "La Pasión según San Mateo" es uno de los pilares de la cultura occidental y es a la música lo que el Partenón a la arquitectura y el "David" [44] a la escultura.

Bach se hizo famoso en su época como organista (y violinista) pero no como compositor porque escribía sólo música que pudiera tocar en la iglesia, pero sus hijos, todos compositores, unos buenos, otros malos, sí se hicieron famosos como compositores porque se adelantaron un poco e hicieron música que gustaba.  Se burlaron de la de su padre porque no tenía éxito.

La música de Vivaldi le gustaba mucho e hizo transcripciones para varios instrumentos de muchas de sus composiciones , lo que también hizo con las de muchos otros compositores.  Además cambiaba la tonalidad [45] y esto cambia totalmente el ambiente de la obra.  Esto a veces impidió que algunos de ellos lograran la fama, como ocurrió con Marcello, que no era incluido en las enciclopedias de música.  (No aparece aun en las de ahora.)  Bach transcribió el llamado "Concierto de Marcello", quizás el más hermoso de la época, y era difícil pensar que algo tan bello hubiera sido escrito por alguien que no aparecía en los catálogos.

A propósito de lo anterior, algunos compositores se superan a sí mismos escribiendo una obra que jamás vuelven a igualar.  Esto ocurrió con Marcello y también con Mendelssohn, que escribió la obertura [46] "Sueño de una noche de verano" siendo muy joven (17 años, en 1.826).  A partir de ese momento todas sus demás obras eran comparadas con esa y se les atribuía una u otra deficiencia, por lo que el compositor terminó odiando su obra maestra. 

                     6.  RameauSu música no se difundió, pero sí se hizo famoso como teórico de la música.  Hoy no se estudia su música tanto como su teoría.  Introdujo la siguiente inovacion: analizando la estructura de la música concluyó que lo importante era la armonía (el acompañamiento) y no la melodía, como se había pensado hasta entonces.  Siempre se había partido de la melodía para luego agregarle acompañamiento, pero Rameau afirmó que a partir de la armonía se debía crear melodías porque lo uno era como la estructura misma de la música, el edificio, y lo otro solamente la fachada, y realmente es más sencillo componer música de esa manera.

A propósito de melodía y armonía, el que sabe de música, cuando ya conoce bien la melodía, y esto requiere muchas audiciones, prefiere observar lo que está en segundo plano, el acompañamiento.  Cualquiera puede hacer una melodía, pero el trabajo del compositor está en el acompañamiento, que ofrece al oyente, por su complejidad, la posibilidad de recrearse indefinidamente y de descubrir algo nuevo con cada audición [47].

          C.  Comparación entre los movimientos lentos y los rápidosLa mejor música de un compositor son generalmente sus movimientos lentos, que tienen que estar muy bien hechos para ser agradables.  En los rápidos es posible casi no darse cuenta de errores de la orquesta.  Es más fácil percibir cada movimiento cuando alguien camina  lentamente, y lo mismo ocurre en música.


NOTAS

1.  Es de las varias palabras que no recuerdo que nos hubieran definido, o me descuidé y no apunté la definición.  Es sinónimo de "compás".  Todos tenemos una idea intuitiva acerca de lo que es eso y usamos expresiones como "a ritmo de samba" o "a ritmo lento". 

2.  Es una concesión al uso común que hace del término el lego en el asunto, tal como se explica en mi introducción.

3.  ... pero la música de conservatorio más reciente y fantasiosa, como por ejemplo la "aleatoria", parece estar desprovista de ritmo, porque en ese caso concreto el compositor es el azar.  Son composiciones que hacen pensar en la escena de unos niños que encuentran unos instrumentos musicales durante un descanso de la orquesta en un concierto y se ponen a golpearlos de cualquier manera.  Es como un caos simulado, dispuesto cuidadosamente. 

... o, ¿qué pensar de los chillidos, balbuceos y palabras sin sentido de la ópera "Atlas" de Meredith Jane  Monk?  Es de las cosas más cómicas que pueda uno escuchar jamás.  Resulta imposible representar esos ruidos en un pentagrama, o en cualquier pedazo de papel.  Tienen razón quienes dicen que el afán del "artista" es la búsqueda desesperada del Objeto Único.

Se puso de moda la "desestructuración" en varios otros campos, incluso en los peinados, y los "estilistas", como se hacen llamar ahora los peluqueros, hablan de "peinados desestructurados".  También ve uno edificios ultramodernos torcidos o ladeados que dan la impresión como de que van a caerse, y uno se pregunta: "¿¿¿Cómo hacen para sostenerse???" 

Éste asunto comenzó en la pintura, y graciosamente, con el impresionismo, luego se fue agravando poco a poco con el surrealismo, el cubismo y el arte "abstracto" y culminó en el arte "conceptual", que no tiene normas reconocibles, excepto la norma de que no hay normas.  De una elaboración mental tortuosa se pasa a la acción en el plano de lo físico.  Sus adherentes lo justifican con el alegato de que "arte" es cualquier cosa que uno considere que es "arte".  Con eso incurren en el error elemental de incluir en la definición el término que se pretende definir. 

Lo mismo hacen los aficionados a la música caótica o cuasicaótica, como el presentador del programa sobre ese género musical de U.N. Radio, la emisora de la Universidad Nacional de Colombia, llamado "Oídos Contemporáneos", que lo da por terminado siempre con estas palabras: "No olviden que 'música' es todo aquello que escuchamos con la intención de escuchar música."  Es el mismo razonamiento de los "conceptualistas" porque es tanto como decir que " 'música' es cualquier cosa que yo quiera llamar así".  Cuando se les exige una explicación del hecho de que la música de conservatorio ha llegado a esos extremos responden que no se podía seguir componiendo eternamente lo mismo de los siglos anteriores y que cada época debe tener su propia música.  

Todo eso no sería nada grave si no fuera por esto: que la "anomía" (una situación de ausencia de normas sociales, como la llaman los sociólogos) se manifiesta también, y cada vez más, en el ámbito de la moral.  Lo que antes los siquiatras llamaban "perversiones" son ahora una mera "opción de vida", tan legítima como cualquier otra, a las que hay que tolerar porque existe un nuevo derecho al "libre desarrollo de la personalidad" no sujeto a coacciones que pueden "traumatizar" al individuo en edad escolar.  

Ejemplos de literatura "desvertebrada" o "desestructurada", suponiendo que esos sean los términos adecuados: la poesía más bien divertida de poetas como e.e. cummings, que todo lo escribe en minúsculas, incluyendo su propio nombre, o lo que en inglés llaman stream of consciousness, un estilo narrativo que pretende imitar el flujo continuo y espontáneo de pensamientos que nos arrastra todo el día sin que podamos detenerlo, a menos que practiquemos cosas como el yoga (ejemplo: la novela Ulysses del irlandés James Joyce), o la titulada Rayuela, de Julio Cortázar, que invita al lector a leerla dando saltos, como en el juego de niñas que en su medio llaman "rayuela" y en Colombia "golosa" (así le decían en Barranquilla hace medio siglo) y se juega sobre un diagrama dibujado en el piso con tiza que tiene casillas y termina en un espacio semicircular con la palabra "CIELO".

Afortunadamente el repertorio de la mayoría de las orquestas sinfónicas se restringe a la música del siglo XIX y comienzos del siglo XX.  Saben que la más reciente no agrada al público en ninguna parte y que los únicos que son capaces de soportarla son quienes han pasado por un conservatorio.  A algunos directores de orquesta les parece injusto restringir los repertorios de esa manera.  Alegan que hay música notable de otros períodos que debería incluirse.       

4.  Esto está entre lo relativo, obviamente.  Antiguamente en Grecia se pensaba que la música de flauta era eróticamente excitante, una opinión que no parece haber sobrevivido.  Además se despreciaba los instrumentos de viento porque deforman el rostro del músico al soplar, y eso, en una sociedad tan orientada hacia la belleza humana, resultaba grotesco.

5.  Es el próximo elemento en esta lista de los cuatro fundamentales.

6.  "Octava" está entre los conceptos sencillos y fundamentales de la música, pero con lo de los distintos tipos de intervalo las cosas se complican.  La octava se relaciona con las siete nota básicas de la escala musical que todo el mundo conoce (do, re, mi etc.), que son realmente doce, si se cuenta unas intermedias que no tienen nombre que no las asocie con las otras.  La física determinó que existe una relación de 2 a 1 entre la frecuencia de una nota cualquiera y esa misma nota en la octava siguiente o la anterior, o sea, la frecuencia de la segunda nota se duplica o se reduce a la mitad según sea de la octava anterior o la siguiente, respectivamente.  (La unidad de frecuencia es el herzio.)

7.  Ver la nota anterior

8.  Más adelante se define la "polifonía".

9.  Al término "voz" se da aquí el sentido de "timbre".  En el próximo párrafo se lo usa dándole otro sentido, que es el de "melodía".

10.  Su nombre deriva del nombre del Papa Gregorio I (589-604).

11.  Se usa la expresión en otros dos pasajes.

12.  Debe de ser por eso que el número máximo de voces en una "fuga" es de ocho, como se señala luego al describir esa "forma musical".  No hay "fugas a nueve voces".

13.  Recuérdese que la "armonía" es uno de los cuatro elementos fundamentales antedichos.  Luego, en el pasaje sobre el compositor francés Rameau, que perteneció al período del Barroco, se utiliza el término como sinónimo de "acompañamiento", que es lo que permanece en segundo plano, cediendo el primer plano a la melodía.

14.  Más adelante se dice algo parecido sobre el "acompañamiento", también en el pasaje sobre Rameau.  Es donde está el último número de nota, el 47.

15.  En eso creo que se equivocó porque en la arquitectura la repetición de elementos es armoniosa, como en el caso de una columnata o una hilera de ventanas.  Piénsese en la Torre Inclinada de Pisa.  Además en poesía también se recurre a la repetición deliberadamente.

16.  Es el segundo pasaje en el que se alude a la música "popular".

17.  Al final de la próxima sección (la de las "formas musicales") se explica el uso de series de letras para representar un "esquema".

18.  Eso será en Occidente porque la importancia del número tres aparece también en religiones  distintas del cristianismo, mucho más antiguas.  Por ejemplo, en el indoísmo está la tríada de Brajma, Visnu y Siva, el Creador, el Conservador y el Destructor, los tres aspectos fundamentales de la Divinidad, que evoca la Trinidad cristiana.

19.  Es otro término que no fue definido.  Es simplemente una "sección de una composición musical extensa".

20.  Ver la nota # 12.

21.  El cuerpo de ciertos instrumentos de cuerda, como la guitarra, el violín y similares, es una "caja de resonancia".  Éste fenómeno físico de la resonancia lo aprovechaban los griegos en la antigüedad colocando en los teatros, detrás de la última fila, en la parte más alta de las graderías, una hilera de grandes recipientes de arcilla con la boca orientada hacia el escenario. 

22.  Olvidó incluir la sinfonía en la lista de las formas musicales.  Tiene cuatro movimientos pero las de Honegger (1.892-1.955) tienen apenas tres.

23.  A los "puentes" se los representa aquí con el símbolo llamado "guión bajo" (otros dicen dizque "raya al piso", que suena cómico o espantoso, según el concepto de lo ridículo que se tenga) porque no se encontró disponible el que se usa en éste caso, que es como un arco corto puesto en un suelo, o una letra "u" estirada y muy ancha.

24.  Tutti significa "todos" en italiano (cfr. tuttifrutti) y en música significa "todos los instrumentos de la orquesta sonando simultáneamente", o sea, lo que se escucha es un estruendo alarmante que se convierte en mero ruido si lo que se está escuchando es un radio pequeño (adecuado apenas para cosas como la "música de cámara"). 

25.  En el pasaje sobre el Barroco se vuelve a explicar esto en otras palabras.  Es por los lados del renglón de la nota # 39.

26.  Obviamente esto se refiere a la intensidad del sonido, no al tamaño, como queda claro poco después.

27.  Aquí otra vez se usa la palabra "voz" en el sentido de "melodía".  Ver la nota # 9.

28.  Ver la nota # 26

29.  Ver la nota # 26

30.  Lo mismo se dice del piano, claro, por ser meramente un clavecín modificado.

31.  Entonces piano resulta ser apócope de pianoforte, que significa literalmente algo así como "suave-fuerte", una alusión al hecho de que se puede graduar la intensidad del sonido, algo que es imposible hacer con el clavecín.

32.  En éste contexto suite significa "serie", "sucesión" en francés (y en hotelería, una serie de alcobas interconectadas como las que alojan a los personajones, que no se contentan con una alcobita íngrima como los demás).

33.  Es la última de las "formas" en ésta lista.

34.  Creo que es (Adolphe) Thiers, el historiador de la Revolución Francesa, quien usa la expresión "sarabanda de los millones" para referirse despectivamente a la corrupción administrativa oficial en su historia de la Revolución en varios tomos.  ¿Es esa la fuente de la que se usa actualmente --"danza de los millones"--, para lo mismo? 

35.  Ahí se equivocó porque el recurso musical o concepto del Leitmotiv (pronunciado "laitmotif") ya existía.  Como ejemplo se señala la idée fixe (literalmente "idea fija" en francés, pero la frase, tal como se la entiende en la sicología, expresa el concepto de "idea compulsiva", "idea obsesiva" o "idea reiterada compulsivamente")  de la Symphonie Fantastique  de Berlioz.  Lo que hizo Wagner fue desarrollarlo al máximo grado en las cuatro óperas de su serie "El Anillo de los Nibelungos".  Luego muchos otros compositores decidieron usarlo.  Significa literalmente "tema rector" pero se lo traduce como "tema recurrente".  El odio de Wagner hacia los judíos (su propio Leitmotiv de la vida real) lo llevó a rechazar la amistad del filósofo Nietzsche, a quien consideraba como un traidor a su raza teutona por atreverse a tener amigos judíos.  Esto aparece explicado en la transcripción sobre Nietzsche (http://transcripcionesreveladoras.blogspot.com/2013/01/no-soy-un-hombre-soy-dinamita-tras-las.html).
  

36.  Es como los historiadores llaman el "cisma" del siglo XVI que escindió la Iglesia Católica.

37.  ... incluyendo a Federico el Grande, Rey de Prusia, que además de militarista furibundo era compositor y flautista.  Arengaba a sus tropas gritando: "¡Perros!  ¿Acaso quieren vivir eternamente?"  No recuerdo ya quien dijo que "Prusia fue empollada de una bala de cañón", y a los japoneses se les llama "los prusianos de Oriente".  Los videntes de la Sociedad Teosófica afirman que los espartanos reencarnaron en la nación teutona.  Sea como sea, las similitudes son evidentes.  (Dicha sociedad fue fundada en 1.875, el  mismo año en el que nació mi abuelo materno, que fundó la primera logia teosófica en Colombia hacia 1.920, coincidencia que comentaban mucho los teósofos colombianos porque les parecía muy significativa, a todo lo cual hago alusión en la introducción a un relato propio de la vida real en éste mismo blogo [http://transcripcionesreveladoras.blogspot.com/2013/01/la-muerte-de-alicia.html].)

38.  Los siete tipos de nota, en el sentido de "período de tiempo", de la música académica en Occidente, en orden descendente de duración (es decir, de la más "larga" a la más "corta"), son la redonda, la blanca, la negra, la corchea, la semicorchea, la fusa y la semifusa.  Ni en el Instituto de Bellas Artes de Barranquilla en mi infancia ni en ningún otro sitio me hablaron de la garrapatera y la semigarrapatera, que van después de la semifusa y son tan cortas que nadie siente la necesidad  de usarlas.  En alguna composición las usó Beethoven, pero no volvió a recurrir a sonidos tan espantosamente fugaces.  (Mi trayectoria por el sendero de la música no fue muy afortunado, pero esa es otra cuestión.  En clase de solfeo me sentaba bien atrás, queriendo"invisibilizarme".  La maestra me regaño una vez por estar hablando con un  compañero de curso llamado Iván que me había hecho reir diciendo que dizque "semiconfusa".  Responsabilizo a los malos docentes por mi poco entusiasmo, porque lo que hicieron fue ahuyentarme intimidándome.)

39.  Ver la nota # 25

40.  Fue el padre de Wolfgang Amadeo.  "La caza" es para cuarteto, y es una sonata. 

41.  En el "Paseo en trineo", del mismo compositor, no se escucha relinchos, pero sí mucho cascabeleo, chasquidos de látigo y fanfarrias de trompeta (¿o corneta?).  Según lo dicho recientemente en una de las emisoras universitarias de Bogotá, "es muy popular en Alemania y Austria" y se lo escucha durante "las fiestas navideñas".  Piensa uno en los cañonazos de la obertura "1812", de Chaicovsqui (Tchaikovsky).  "Boda campesina" es otra de esas composiciones un poco extravagantes de Leopoldo Mozart.  En ella se oye alaridos eufóricos muy divertidos, como de gente rústica y embriagada celebrando algo durante una cuchipanda.  Esto evoca el falsete (falsetto) chillón del canto de montaña suizo llamado yodel.  En cambio resulta más elegante, e incluso poético y lánguido, el "canto largo" de las estepas mongólicas, que también surgió de un medio rural.

42.  Es un instrumento generador de sonidos puramente electrónico.  Existe un Moog synthesizer.

43.  ... u "oratorio" en éste caso, que es una cantata de tema religioso.  Una cantata es una "composición poética cantable" según el Larousse.

44.  La escultura enorme de Miguel Ángel (Buonarroti) que está exhibida en Florencia.

45.  Es un concepto complejo, propio de un nivel de dificultad bastante mayor que el de estos modestos apuntes.  Una ex compañera de curso que toca piano desde la infancia como aficionada fue incapaz de explicármelo claramente por teléfono y a larga distancia internacional.  En una de sus dos acepciones, que es a la que se refirió el conferencista sin tomarse el trabajo de definirlo, se relaciona con las "claves".  Le dije que, de la época en la que quisieron convertirme en músico, recordaba haber visto solamente pentagramas con la clave de sol, y me comentó que seguramente porque lo que nos andaban queriendo enseñar era a tocar violín, que es un instrumento para composiciones en clave de sol.  (La iniciación fue con la "flauta dulce", como sigue haciéndose con los niños.  Todavía puedo tocar en ese instrumento la canción infantil cuya letra [en inglés] dice: Row, row, row, row your boat gently down the stream/Merrily, merrily, merrily, merrily, gently down the stream!  Significa tanto como "Rema en tu bote plácidamente río abajo/Alegremente, suavemente río abajo".  A cada sílaba corresponde una nota, excepto en el caso del último merrily, una palabra con tres sílabas, pero al llegar ahí se toca apenas una nota, no tres.)  Creo que la nota que da su nombre a la clave está ubicada en el centro de la gama a la que pertenece la mayoría de las notas de la composición musical.  En ese caso entonces la "tonalidad", en la acepción antedicha, se referiría a esa gama.    

46.  Es "la introducción instrumental de una ópera dramática, musical o no".  Lo "instrumental" en éste contexto implica el uso de instrumentos musicales en ausencia de voces humanas.

47.  Ver la nota # 14
 
                   



No hay comentarios:

Publicar un comentario